我发现很多朋友来这看看画、看图都只发个礼貌性的言语，以示对我的鼓励。其实，我是希望来此的朋友们都成为艺术爱好者，至少要具有基本的艺术审美力和欣赏力，可以去评画、聊画、谈艺术~~可艺术是什么？该怎么看艺术作品？
艺术作品的风格流派无所谓高下之分，但具体的每一幅作品都存在着品格的高下。
我们怎么来看待艺术？怎么去鉴赏艺术？
那我，金书就告诉您，怎么来看高层次的作品，我做了个分类，希望能对您有所帮助~~
1.雄浑、厚重、刚健。具有凝重的震撼力，如伦勃朗、鲁奥的作品
2.典雅、俊秀、大方。清新不失厚重，严谨而不呆滞；如安格尔、德加...
3.单纯、简洁、洗练。简明意向，如马蒂斯、莫尼格里阿尼....
无论作品风格怎么，它们都必须得具有——自然、天真。
【十九世纪】各流派画家代笔
新古典主义画家代表:安格尔等；
浪漫主义：席里柯、德拉克洛瓦、布格罗、戈雅等；
现实主义：柯罗、杜米艾、米勒、库尔贝、艾什顿；
印象主义：毕沙罗、马奈、德加、莫奈、西斯莱等。
有必要说下，很多朋友对绘画作品中的变形不理解，希望可以对您的认识有所帮助：
作品中客体的变形一般有以下情况——
【A】出自作者内心的需要。作者借助扭曲的形象，去宣泄自己的情感。如表现主义
【B】出于作者强调形式美的需要。作者放弃客观的真实，去实现心中纯粹的形式美的幻想。如马蒂斯
【C】便于作者更彻底的接进作品本质的需要。如毕加索、蒙德里安
按历史时间顺序上，列出大家都比较熟知的美术大师们给大家做个尽可能简单明了的介绍。希望对您有所帮助。
先从文艺复兴三杰说起~~
什么是文艺复兴？——起原意就是：
在古典规范的影响下，艺术和文学的复兴。
什么是古典规范？——1.写实而理想；2.典雅而静穆。
我这样说可能不全面，不过还是比较清晰的。
文艺复兴三杰：
达.芬奇——他将结构与空间透视以及明暗规律和谐地统一，他对细节的爱好是永不厌烦的，他的专注性、完美性使他还成为了工程师、建筑师、雕刻家，在水力、光学、植物、生理、地质、机械等领域也做出了伟大的贡献。他的艺术作品具有空间深度和体积感，在当时是一面令人仰视的旗帜。
米开朗基罗——他所塑造的英雄形象，即是理想的象征也是现实的反映。他的艺术是至今为止一座难以逾越的高峰。他不像达.芬奇那样充满科学精神和哲理思考，而是在艺术作品上倾注于自己的激情。正是米开朗基罗这种绝望和崇高的孤独，使他成为所有现代艺术和艺术家的先驱,而这就是他之所以伟大的所在。
拉斐尔——他在技法上受达.芬奇的影响，形成了他自己的圆润柔和的风格；独特的秀美、典雅、和谐、明朗。他的艺术体现出深邃的人文主义思想，并赋予其以巨大的表现力。
1.达.芬奇《自画像》素描——他60岁的作品，用笔流畅、洗练。画中的每一根线条都留给我们深刻的印象，有着无穷的创造力和想象力。这幅自画像是在他心情极度不好时画的。 2.米开朗基罗《自画像 在雕塑、绘画、建筑、诗歌等众多艺术门类中能够取得这样辉煌成就的，在迄今为止，可以说只有一个人。就是与达芬奇和拉斐尔并称文艺复兴三杰的米开朗基罗，以至于在他活着的时候，人们就尊称他为“神”。 3.拉斐尔《自画像》他所确立的美的样式成为了后来，一直到现在，学院派古典主义的标准之一。他不象达芬奇那样精湛、含蓄和富有于哲理，也不同于米开朗基罗那样雄浑、强劲和充满悲壮的激情；他的画面上始终洋溢着明净的色彩、柔和的光线、宁静的优雅。他是描绘女性形象的大师，在她们身上体现出慈爱、善良、温顺的高贵品质，引起人们对生活的憧憬。他以诗一般的绘画语言体现了人文主义理想。
丢勒是文艺复兴的代表人物，却常常被视作次级大师。这可能是因为，他身逢西方艺术的盛世，又与意大利文艺复兴三杰为同时代人。作为一个德国艺术家，丢勒如同其第一幅重要作品：作于13岁时的自画像所清楚显示的，这位天才少年已经准备好了要独自一人将现代文化引进德国。这将使他成为一个充满矛盾的独行者和先锋派。
丢勒相信艺术家必须要深入观察自然和竭力发现宇宙的秘密，以揭示和表现美。但与此同时，他又坚持认为艺术家连同其艺术应是上帝的工具。
当米开朗基罗以大卫雕像展现人的完美和新生时，丢勒以同样高超的技法创作了蚀版画《圣尤斯塔斯》。同达.芬奇一样，丢勒也具有科学的头脑，因而曾深研数学和透视学并写下了大量笔记和论著，其画的动植物素描之精确完全可以同达.芬奇所留下的相媲美...
他平生不停的旅行，足迹之广，眼界之阔在当时几乎无人可与比肩，可又始终保留着一些农民式的愚昧和狭隘。他相信理性和知识会使人成为高贵的存在，却又对于人的不完美有一种深刻的意识。
作为自画像之父，他是欧洲第一位为自己的容貌和身份所吸引的画家，从而成为伦勃朗的先驱。
当丢勒的重要著作《量度艺术教程》出版后，他跃居文艺复兴时期第一流艺术理论家之列。丢勒的第二部科学著作也相继《筑城原理》出版。在他57岁时《人体解剖学原理》脱稿，这是他27年来对人体解剖学研究的结晶。可惜，他没有看到这部著作的巨大影响。五十七岁的丢勒突然去世了。
丢勒：德国文艺复兴时期最伟大的油画艺术家。他同时也是雕刻家、建筑师、铜版画家，在测量法、筑城法、比例法等方面也立有著作。
他创作的肖像画意志坚定、充满自信，同时具有严峻、刚毅的性格特征。具有严谨、简洁的风格；技巧上精湛典雅，用笔考究，十分重视人物的性格披露，表现出对人物内心世界的深刻洞察力。
丢勒《自画像》——这是他22岁时画的一幅自画像：
鲁本斯：“巴洛克”画派成员之一。
他天性富于浪漫，是位精力饱满、生气盎然的一代艺术大师和政治家。
他是世界上最为杰出的色彩大师之一，几乎每一代的艺术家都对他进行过深入地研究。
他的绘画充满激情，理直气壮地层现在画面，令人无法回避~~
他的艺术，我也做了下总结：
1.宏伟浪漫的构图
2.充满激情的动感
3.健康饱满的主题
4.华丽庄重的色彩
5.狂放粗矿的气质
他和戈雅、德拉克洛瓦、格列科等伟大艺术家一生都在努力去表现光感、空间感，直到以后出现的伦勃朗，才将其达到了至高、至美的境界。
1.鲁本斯《自画像》：
2.《帕里斯的裁判》——
鲁本斯是一位伟大的人文主义画家，即使宗教神话是他创作的主要题材。他的作品表面上涂着一层天主教的圣油，而骨子里的风俗、习惯、思想感情，一切都是是异教的。
在鲁本斯的作品中体现出热爱生活，对生活充满美好理想、丰富的想象力，通过艺术形象肯定人的力量和人生的欢乐，他善于运用健康丰满、生机勃勃的形象，洋溢着乐观与激情的性格，去表现自己的审美理想与趣味。
他笔下的人物，尤其是妇女几乎都是贵妇人，体态胖肥，皮肤细嫩，骚首弄姿，扭捏作态，而男子都是浪荡公子一类，反映了贵族资产者的追求享乐和骄奢淫逸的生活情趣。
鲁本斯一生创作极为丰盛，作品多具有宏大的场面，强烈的运动感，雄健的造型，富有想象力和戏剧性情节；对比鲜明、响亮饱满的色彩；流动的线条、激动人心的画面艺术效果，给人以一种富丽堂皇、华美火热、欢腾鼓舞的艺术感受。
3.《三美神》——是指贞洁女神、美神和爱神。在鲁本斯的笔下这些女神都有着健壮丰满、充满生命力的形体，有着秀丽俊美的面孔，整个形象充溢着激情与艺术魅力，体现了画家对女性美的理想。
4.《伊莎贝拉》——
鲁本斯与他的老婆伊莎贝拉伉俪情笃，画中的伊莎贝拉34岁：她的矜持、文静与内心和谐的微笑，正是他所要刻画的妻子的性格。肖像被画得很精细，伊莎贝拉右手持一珠宝盒，左手搭在右胸侧的饰带钮扣上。这一双手的描绘，从某种角度上看，似乎要比达•芬奇的《蒙娜丽莎》的那双手画得还要情深意浓些。不妨说，画家在这幅画上浇注着画家对妻子近20年的燕尔情谊。
伦勃朗：他是写实主义的典范；他的作品充分体现出光线变化的丰富性和强烈的体积感。
伦勃朗利用明暗对比来加强物象外形的表现力，并逐渐把光线的运用变成了深刻地全面地揭示作品内容的主要手段。
他严求造型的法则，对物象的表达精到，但其表现手法却是放浪、大度、挥洒自如。
严谨而豪放的伦勃朗，以后再来细谈~~先来看看他的自画像。
伦勃朗《自画像》——
华多：他对18世纪法国美术产生了深远的影响，尽管他只活到了37岁。
华多的艺术充满了幻想和诗意；在他的艺术中始终洋溢着一种平民情趣。
华多向来是体弱多病，性格内向（有人又要晕了~~我又开始在像聊隔壁的那位大哥了），敏感多愁，这使得他牧歌式的诗歌般的画面上总有一丝丝哀愁~~
他被称为“敏感的色彩诗人”；他是色彩天才，他是色彩魔术师；他靠色彩把握明度。这是他的天生禀性的真情流露。
他画面中那惨淡的味道催人泪下，犹如音乐中的颤抖~~
请记住37，我以后还将提到这个37~~
德拉克洛瓦：他是新旧世纪之交开拓性大师。他是终结者，他与安格尔的一场论战宣告了恪守古典主义观念的终结。
当吉罗德和借里柯的去世，使古典主义与浪漫主义之争的代表变成了安格尔和德拉克洛瓦。
他在艺术上是反对安格尔的，他充满激情、奔放不羁，他主张大胆地去强调表达感情；
他认为：先掌握体积，从中心画起，从椭圆形的整体开始，而不去开始就注意细致的轮廓。
他的作品以激动的线条和夸张的形体，高扬绘画本身的形式美，淡化绘画作品中附加的文学性和主题观念。
他说：真挚是艺术的灵魂。
我在上面已经介绍过安格尔，这里再补充说下：
安格尔和德拉克洛瓦之间的矛盾之处
安格尔一生都以宁静流畅的轮廓线去控制简单的圆形体积，控制着任何多余的情感。
德拉克洛瓦《自画像》—— 从这幅《自画像》中可见画家的精神气质，他是一位勇往直前的、无畏的战士；是一位坚定沉着能战胜一切的勇士；是一位自尊自信、敢于作出自我选择的艺术家；是一位被激情所主宰的诗人；是一头浪漫主义之狮。
我们看到在这幅自画像中，作者用色沉着，用笔狂放，艺术语言中充满动感和激情。
《引导民众的自由女神》—— 取材于1830年法国革命。
德拉克洛瓦以象征手法在画面的视觉中心塑造了一位丰硕半裸的女性形象，她一手握枪，一手高举三色旗。她是自由的象征，正在勇敢地领导人民前进去夺取最后的胜利。
画面构图具有极大的视觉冲击力，有一种不可阻挡的动势，在女神的周围安排有法国革命代表性阶层人物的形象。人群中的那个孩子象征着年轻的法兰西。画面上的人物是现实的法兰西群众，环境是有巴黎圣母院作背景的真实的自然景色，充满人性的女神与各阶层的战士组合在一起，真实地再现了革命中的一个战斗场面。
德拉克洛瓦十分重视色彩造型，这幅画的色彩绚烂，色调丰富炽烈，他对色彩的运用已开始走向印象主义。正如凡高所说：“在印象主义绘画中，我看见了德拉克洛瓦的复活，不过德拉克洛瓦比他们更完整。”
德拉克洛瓦不仅是色彩造型大师，同时也是素描大师，他说过：“色彩总是占据着我，但素描却更先控制着我。”在构图上，他像莎士比亚安排演员位置一样，擅长优美动人的构图。他作画始终充满激情，有人说他作画就像狮子吞食猎物一样，所以人们称他为浪漫主义雄狮。 安格尔：17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。安格尔曾断言：“希腊人就是自然；拉斐尔之所以是拉斐尔，就是因为他比别人更了解自然。”不过，安格尔并不能完全放弃明暗的处理，他还使用很强的，鲜艳得过分而不真实的颜色，以弥补作品色彩的冷淡。
我们在看安格尔的画通常会有这样的感觉：线条画得太乾净了。正是这种线条的乾净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，但为了表现明暗和反射，他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆的装饰物。但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔了。
安格尔对女色的嗜好是深刻而一贯的。当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力往往是空前的。肌肉、曲线、酒窝、柔韧的皮肤...在女性美的表现上，安格尔克服了他那种感官上的爱好，赋予了它以传奇的魅力。
安格尔用冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现人体表达方式，是来自古典主义的传统；他作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。
我们可以看出安格尔的绘画精于形状的描绘和冷静、清晰的构图。我想我们不难理解为什么会有许多艺术家羡慕安格尔技术上的造诣，甚至在跟他意见不同的地方也尊重他的权威性。
76岁时的安格尔，创作了《泉》这幅作品，反映了画家对美的全新观念，即用精湛的技巧去创造古典美感是十分必要的。《泉》实现了他对人体美与古典美完美结合的形式追求。在这里，他展示了人类普遍赞美的恬静美、抒情美和纯洁美。他描绘一位举罐倒水的裸体少女，身躯略呈S型，婀娜多姿，双目透出清纯，虽然身体袒露，却让人觉得她如清泉般圣洁~~安格尔最大的贡献便是打破将线条仅限於对物象比例描绘的限制，而拓展到图案花纹的形式。对安格尔而言，人体的比例并不求自"自然"或实证的实现，他运用曲线在画面上探求人体之比例位置与姿势。这种直接运用线条在画面的处理，强调画面的平面性，使事物本身之重要性，附属於形式要求之下。
米勒：法国现实主义画家，巴比松画派的代表人物。
米勒出生在一个农民家庭，一生画了许多描写田园风景和农民生活的作品，被誉为伟大的农民画家。
米勒的画风质朴、凝重，所创造的形象严整、崇高，富有纪念性，有一种雕塑的感觉。为了寻求画面的整体和谐统一，他极力追求浑然一体的效果。他的艺术语言十分平静，造型单纯、情调含蓄、旋律稳健。在油画笔法上朴实沉着，色调处理上浑厚调和，充满真挚的感人力量。欣赏他的作品常常能使人陶醉于一种苍茫沉寂的意境之中。米勒的代表作品是《拾穗者》《晚钟》《牧羊女》等。
库尔贝：18世纪法国现实主义的伟大艺术家，在西方艺术史中，也许再也找不到谁敢象他那样大喊大叫的到处“招惹是非”的艺术家了。
他自信坚定、喜论辩、而且带着法国外省农民特有的强悍、直率和真诚。库尔贝因部分作品被巴黎世界博览会拒展愤然在旁边搭了个棚子举办个人画展。公开与官方艺术分庭抗礼！第一次扛起了现实主义的大旗~~震动了整个巴黎。
他同时是个伟大的民主战士，他的艺术和生活都与他的时代人民紧密相连，始终和民主力量站在一起，他拒绝第2帝国授予的十字勋章，他参加巴黎公社起义，失败后被逮捕入狱，并没收财产和作品。1873年流亡瑞士，1877年在流亡中去世。
《裸体的女人和狗》——
库尔贝的画风力求写实，造型明确，色彩沉着，用笔宽畅，不拘细节，画面有庄重厚实感。另外，在油画技法上，库尔贝经常不用画笔，而用调色刀，画出带有彩色大理石般肌理效果的表面。
他曾宣布：“我要根据自己的判断，如实地表现我所生活的时代的风俗和思想面貌。”在艺术上他倡导反映现实生活和劳动人民的艺术。
库尔贝的画作摆脱了古典的準則，那直言不諱的写实主义风格引起了一陣风波，而他本人的作風也是如此。他宣称自己是绘画的唯一仲裁者，因此他不僅是个画家，而且是个不純为艺术、而是为贏得思想自由而作画的人。
马奈：18岁进入古典派画家库贝尔的画室学习。他从委拉斯贵支、哈尔斯、戈雅和拉斐尔等前代大师的作品中汲取了较多的营养。也临摹过委拉斯贵支和提香的作品。
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他的大幅油画《草地上的午餐》以“有伤风化”的罪名被拒绝；随后，油画《奥林匹亚》受到批评家的谴责。于是，他仿效库尔贝的做法，结合一部分落选画家，举行了“落选作品展览会”。对于这些作品，狂热的吹捧和刻薄的讥诮都达到空前的水平。
马奈并不分赞成印象派的色彩理论，与印象派之排斥黑色不同，马奈十分善于使用黑色。它像乐队中的定音鼓，使整个画面的色彩响亮醒目而又各得其所。在瓦伦斯的肖像中，裙子的黑色正是起到了这种作用。
马奈38岁时，他在巴提约尔街的画室成为青年画家向往和聚会的地方。后来成为印象画派成员的莫奈、德加、雷诺阿等人，经常在他这里聚会，马奈成为他们心目中的领袖。但是，马奈不赞成印象派的观点，也没有参加过印象主义者的画展，所以，他不是印象派的成员.当马奈因疽毒症不治身亡，数万人参加了他的葬礼，著名画家德加，望着长长的送葬者行列，深深地感慨道：“马奈比我们想像的更伟大!”
马奈《奥林匹亚》德加：是19世纪最伟大的艺术家之一，以大量精美的油画和粉蜡笔画作品为公众所熟知。
德加的作品总是以那些生活中司空见惯的乐事为题材：赛马、骑师、芭蕾舞女以及裸女。尽管题材没什么新意，但他的作品却并不陈腐。在整个职业生涯当中，德加一直在不停探索表现人体和动物运动的新方法。
画家雷诺阿甚至认为德加是当代最伟大的雕塑家。但德加自己就比较谦虚了，他在接受采访时说：“我做动物或人体蜡像只是为了让自己满意。我做这些并不是在占用画画的时间，而是为了让我的画更生动、更强烈、更有生命。这些雕像只是一种练习、一种纪实的初步构思，仅此而已。”莫奈:
印象画派代表人物。印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也是现代艺术的起点。
莫奈的名字与印象派的历史密切相连。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法，比其他任何人贡献都多。这一点是无庸置疑的，印象派的创始人虽说是马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，因为他对光影之于风景的变化的描绘，已到走火入魔的境地。
莫奈对光色的专注远远超越物体的形象，使得物体在画布上的表现消失在光色之中。他让世人重新体悟到光与自然的结构。所以这一视野的嬗变，以往甚至难以想象，它所散发出的光线、色彩、运动和充沛的活力，取代了以往绘画中僵死的构图和不敢有丝毫创新的传统主义。
莫奈在他的画中对光线的处理做各种尝试。 所有的竖画都被“一条条长长的光束从上到下垂直穿过”，经过画面的两处阴暗部分，洒满画的下端。
如《睡莲，晚间效果》一画，在鲜黄、桔黄和朱砂色彩的烘托下，像是一团燃烧着的火。旋风般强劲的笔触增加了火焰在睡莲云间扭曲上升的感觉，呈现出一片视觉的梦幻世界。这里，没有睡莲，只有一个个暗暗的大圆盘，其中，时有明亮的笔触将它们凸显出来。再也没有空间的标志，只有被画笔捕捉到的光和色彩。塞尚后期印象画派的代表人物，是印象派到立体主义派之间的重要画家。
塞尚认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他的作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。
塞尚认为：“画画并不意味着盲目地去复制现实，它意味着寻求各种关系的和谐。”从塞尚开始，西方画家从追求真实地描画自然，开始转向表现自我，并开始出现形形色色的形式主义流派，形成现代绘画的潮流。
塞尚这种追求形式美感的艺术方法，为后来出现的现代油画流派提供了引导。特别在塞尚晚年时，他为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。
塞尚毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，也被称为“现代绘画之父”。
在二十世纪绘画和十九世纪画家中，从成就和影响来说，最有意义的就是塞尚。
塞尚是一个很少为人理解的孤独者。他终生奋斗不息，为用颜料来表现他的艺术本质的观念而斗争。这些观念扎根于西方绘画的伟大传统之中，在包容性方面，甚至属于艺术中最革命的观念之列。
1.塞尚自画像：2.塞尚《玩纸牌的人》。在这幅画中充分的表现了他对色彩和明暗对比的安排 。
3.塞尚在《三浴女》作品中画的三个女人个个身躯庞大，还带有一点色情意味。这是与女性美标准是不相符的。塞尚不是意在显示人物躯体的美感，而是想表现其举手投足的姿态所显现的力。
三位女性被安排在一种想象中的三角形位置上，其躯体的轮廓清楚地显现于画面上。只是背向画面的女人左臂伸出了画面，显示出画面之外还有一人，此人只在树叶丛中露了个头。站着的女人正要进入水中，突然停下，面部向此陌生人转了过去；而其臂膀像是在半空一样停留在了第三人的头顶上方。在两位褐发女郎中间的这位惟一的金发女郎，也即画面上的最后一位，所处位置稍偏一点，身子弯了下去。这三个女人形体粗壮；这样的人，人们在任何时候都可以见到；画家对她们的身份未予点明。她们肚皮滚圆，臀部宽大，两只乳房沉甸甸的，令人想到生殖力这一概念。
我想塞尚无疑是想说：顺自然之力来繁衍后代~~也就是说应当剔除学院式的矫揉造作，以现代的生动形式涉足传统的重大题材。 我们在来看，塞尚的《静物苹果篮子》这幅静物~~
塞尚仔细地安排了倾斜的苹果篮子和酒瓶，把另外一些苹果随便地散落在桌布形成的山峰之间，将盛有步糕点的盘子放在桌子后部，垂直地看也是桌子的一个顶点，在做完这些之后，他只是看个不停，一直看到所有这些要素相互之间开始形成某种关系为止，这些关系就是最后的绘画基础。这些苹果使塞尚着了迷，这是因为散开物体的三度立体形式是最难控制的，也是难融汇进画面的更大整体中。为了达到目标，同时又保持单个物体的特征，他用小而偏平的笔触来调整那些圆形，使之变形或放松或打破轮廓线，从而在物体之间建立起空间的紧密关系，并且把它们当成色块统一起来。
塞尚让酒瓶偏出了垂直线，弄扁并歪曲了盘子的透视，错动了桌布下桌子边缘的方向，这样，在保持真正面貌的幻觉的同时，他就把静物从它原来的环境中转移到绘画形式中的新环境里来了。在这个新环境里，不是物体的关系，而是存在于物体之间并相互作用的紧密关系，变成为有意义的视觉体验。
塞尚就是通过这些东西取得了他的最后成果的。
塞尚是绘画史上的一位伟大的造型者，伟大的色彩家和明察秋毫的观察家，也是一位思绪极为敏捷的人。 在高更看来，选用颜色的时候只有两点值得考虑。一是这种颜色的象征意义；二是它与邻近颜色所产生的对比效果是否能产生“平面深度”的感觉。后一种尝试正是源于塞尚的思想，这也正是塞尚把高更称为“骗子和小偷”的原因。
凡高和高更在对绘画的理解上也有着本质的不同。凡高对客观的真实十分注重，只是在这个基础上做必要的夸张，以达到“表现自我”的目的；而高更对客观真实却毫不在意。他极力简化形状，以赋予作品暗示性和象征性。他追求的是让观者产生联想。在笔触上，凡高用各种各样的小笔触、点、小直线、特有的旋涡笔触；而高更却是大面积的平涂。在用色上，凡高十分注重补色原理，经常把互补的笔触并列在一起，使其“彼此渗透以产生神秘的色调颤动”。而高更用色的时候则只考虑其象征意义，以及颜色对比所可能产生出的空间感。下面帖的几幅高更自画像，便很好地体现出两人技术上的差异。
1.高更赠给凡高的自画像——高更对自己的这幅画像十分自负，送给凡高时附有一封长信。高更在信中给这幅画起了一个名字《被抛弃的人》：“就像雨果的《悲惨世界》主人公冉阿让一样具有高尚的气质和善良的内心，脸上血管淌着热血，眼睛周围是融铁炉的色调，表现画家的内心炙热。眼睛和鼻子的画法像波斯地毯的图案，导向抽象的和象征的艺术。用小孩的色彩画成柔和的供少女房间中装饰的壁纸背景，这个冉阿让意志坚定，十分可爱，却遭受社会的迫害，被置身法律之外，难道他不也体现了当代印象派画家的形象吗？我画了他，并把他画成我的模样。我送给你的不仅是我的画像，而且是作为不幸的社会牺牲品的我们所有人的画像。”
2.凡高赠高更的自画像——凡高选了一幅刚画好的自画像，送给高更。
凡高说这幅自画像：“画在浅绿色背景上的灰色画像几乎没有色彩。”
凡高也在信中说：“可以把我送给高更的自画像与高更自画像比较一下。我在写给他的回信中说，如果允许我赞扬我的个性的话，那么我就当仁不让了，我努力在自画像里不仅画我自己，而且还画了所有印象派画家，我把自己画成一个和尚，永生佛的忠实崇拜者。当我把自己的构思与高更构思相比，我发现同样严肃，但较少绝望。”
高更在冷静思考每一个笔触的时候
凡高在表现新天地的快乐。
通过在自画像上的较量
他们进一步了解了对方
更重要的是产生了精神上的共鸣。
终于
两个月后的一天
高更来与凡高同住了。
不久
两位艺术疯子因为艺术观点相异，屡起争执，互不相让。
最终，凡高狂疾初发
最终，高更匆匆离去。
他们注定要各自走各的路。
其实，在他们交换自画像的时
已经看到了较量的影子。
他们都太有个性了，世不容彼，而彼亦不容人。
大师的命运多么不同啊！
相同的是他们的追求。
他们的孤独和激情都深埋在一幅幅的自画像里。 有兴趣了解更多的可直接转到第5页~
