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[活动分享]黄大用:和摄影发烧友浅谈摄影创作

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楼主 倒序阅读 使用道具 楼主  发表于: 05-16
        黄大用:湖北省摄影家协会国家一级摄影师。数所院校特聘影像学教授。湖北省人像摄影协会副会长,中国摄影家协会会员,中国人像摄影学会常务理事。从事摄影艺术研究和教学四十余年;发表过一些摄影作品和文章;有多篇摄影论文在数届“全国摄影理论年会”、“全国人像摄影理论年会”上宣讲、入集、获奖。湖北省摄影艺术展、湖北省人像摄影艺术展资深评委;多次担任省、市各类选美大赛评委。
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和摄影发烧友浅谈摄影创作
黄大用
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        随着人民生活水平的不断提高、数码科技的突飞猛进,“全民摄影”时代已经到来。单反、微单、单电、卡片相机…还有手机热销!摄影学习班一坐难求“高烧不退”!
        经常会听到“发烧友”抱怨,玩摄影多年,器材换了几轮,几乎跑遍中国,拍照无数,也获过一些奖……但依然感觉拍摄水平不高,但又找不到原因,甚至感到苦恼……?
        从时下最新热门的一个话题说起:从“中国制造”走向“中国创造”!
        制造:把原材料加工成适用产品。制,侧重于操作; 造,侧重于从无到有。
        创:首先想出或做出 (前所未有的事物) 。
        创造:把以前没有的事物产生出来或造出来,是一种典型的人类自主行为。因此, 创造的最大特点是有意识地对世界进行探索性劳动。
        创作:产生文学艺术作品的智力活动。是我们造型综合能力与艺术创造力的集中体现。
        这些年流行的“梯田热”、“霞浦海滩热”、“婺源热”、“凉山热”、 “人体热”、“西藏热”……除了“制造”一些大同小异的“美美照”外,摄影者创作出哪些新作?
        中国摄影家协会曾公开呼吁:此类照片请勿投稿!?
        多了!滥了!没有创新!艺术没有创新就没有生命力!
        学习往往由摸仿开始。儿童习字的描红就是学习的开端。在这些“热”的摸仿中,也确可学到一些摄影技法和审美,但摸仿造就不出摄影家!
        “满载而归”的照片中自己的思考吗?
        大家“满载而归”的照片中用光、构图、拍摄点、拍摄效果都是那么的相同。除了“收获”的满足,除了我也来过这里,除了雷同……我们还得到了什么?
        创作就是创新!拍出人们眼中不同的照片!
        成熟的景点、大量相似的照片中能否有与众不同的?找到不同的视角、找到不同的内容、找到不同的气候、找到不同的光线、找到不同的影(色)调、找到不同的……这就需要我们思考!
        金山岭长城卖水的残疾人周万萍用海鸥相机拍出的“四季长城”震惊了摄影界。而成为佳能形象代言人的周拥有了全套顶级佳能相机却再也没有更好的作品问世。这是为什么呢?成了金山岭长城的职业“摄影导师”。倒是台湾商人林添福历时数年走遍祖国的   “老、少、边、穷”地区,创作出表现56个民族各式各样的老年夫妇的合影—“跨越半个世纪的爱情故事”,引人注目!
        一台静止不动的相机只是一个物件,它之所以鲜活起来,之所以有价值,就是我们赋予了它的灵魂,让它的存在变得有价值。
        相机的主人—创作者的目的、想法才是最重要的。他想展示什么?为什么去展示这些作品?都在创作者的思想和行为当中 — 相机的一切都在于人的应用。它体现人的一种思想,最起码是一种心理状态。
        摄影创作:理念为先,行动在后;构思在前,拍摄在后。(拒绝为拍而拍)  
        拍、拍、拍… 删、 删、 删…连自己都不满意,所欲何为?
        按快门前,你看到什么?你在想什么?你想得到什么?
        核心问题是:最后你得到了你想得到的东西没有?
        我们的眼睛会选择,大脑会奇妙地修改、调整、改变焦点等 — “观其一点,不计其余”(情人眼里出西施)。但相机却不会—它只会实在的记录。  漂亮的风景,并不等于漂亮的照片!看一看我们自己的电脑,不正是收藏了大量当时觉得漂亮,实际很一般的照片吗?能找到当时按快门的感觉吗?
        我们的生活中不是缺少美,而是缺少发现。摄影是发现的艺术。
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沙发  发表于: 05-16
        一、摄影创作三要素:器 材 、题 材 、思 想
        1.器 材
        君不见一些影友节衣缩食,集中财力,购买重型器材,尼康、佳能甚至哈苏、林哈夫一应俱全。一个人呆在屋子里抚摩、把玩,试了这件试那件,拆了装、装了拆,一头雾水,满脸欣喜,折腾个彻夜不眠也在所不惜。
        夜半时分,几个人坐在一起,侃解像力、聊暗光、影调,这家相机短而有长,那家镜头性能独特,甚至于不惜翻脸争吵。每个人盯着自己的相机,就像关公盯着青龙偃月刀,又像张生端详着崔莺莺……
        在摄影圈呆久了,听到最多的争论就是哪个品牌的相机好?到底是尼康还是佳能?哪只镜头厉害,哪只镜头不行,哪只镜头不够锐,哪只镜头色彩不好。从变焦烧到定焦,从入门到大三元,从日系烧到德系就和从开始那些武林人士疯狂追求屠龙刀、倚天剑一样《笑傲江湖》,锲而不舍的前赴后继。
        武侠剧《笑傲江湖》中的屠龙刀和倚天剑固然是好东西,但都是外因,只能锦上添花,却没法雪中送炭。自己的内功问题不解决,即使拿了倚天剑,除了能增加点盲目的自信之外,对实际拍摄几乎没有什么决定的效果。过于关注器材而忽略的是照片本身的气质与情感,这对摄影表达来说,却未必是个好趋势。
        不管你手里是倚天剑还是屠龙刀,你最终的目的是为了克敌制胜,拍出好的作品。金庸老爷子在小说中却戏剧性的表达了一个观点,那些最后真的在武林中威望极高的大师与高手,却从来没有什么倚天剑、屠龙刀了。
        在我们这个浮躁的摄影圈子里,获了多少奖,参加多少比赛,你去了多少别人去不了的地方拍片,那么这些对你来说就是你得到了自己的天下第一。可是这一切,与摄影又有什么关系呢?照相机最初被发明时,只是为了记录,传播真实的影响,仅此而已。不知道时候什么时候,才有了画质,有了焦外,有了色彩,有了所谓的德味,有了优秀与平庸的评判标准。
        摄影本质的是记录生活,表达情感。
        我大概太喜欢《笑傲江湖》所表达的思想,也更喜欢令狐冲任盈盈这一对人物角色,管他什么天下第一,管他什么武功绝学,我想要的,只是我所理解的生活,我所享受的世界,我所看到的想表达的情绪。一曲琴箫合奏的愉悦,胜过武林盟主的名声赫赫。
        小说毕竟只是小说,用了夸张的手法刻画不同的形象。 当我们在摄影修炼之中过分沉浸在外在的行头、器材、噱头等形而上学之上时,大概也就远离摄影本质越走越远了吧。毛主席说过,决定战争胜负的是人而不是武器。这也决不是说武器不是战争的重要因素,因为武器是人造和掌握的,武器装备肯定是越先进越好,要不然他老人家也不会饿着肚子造原子···弹了!
        如果你看见一个人长枪短炮,肩扛项挂,背负一个大包,手提一个三脚架,一会儿步履匆匆,一会儿东张西望,那一定是搞摄影的,甚至有人说他们是从“六角亭”偷跑出来的。摄影人对器材的那一份痴迷、那一份眷恋,是不搞摄影的人难以体会的。
        攀比—当今社会的陋俗!
        明知实力不够,硬着头皮上高端设备;  有一些经济实力却没有功底,道听途说,今天买这明天买那,到底什么最适合你还是没搞清楚,买了一大堆还是不实用……
        长焦,多长为好?200、300、600?超广,多广为好?21、16、12、7mm?任何人、任何单位都不可能把市场上的镜头买齐!任何一位摄影师都不可能是万能的,既能用超广“扫亍”,又能用超长焦拍星宿,还能用“人像王”拍“MM”。
        镜头光圈多大、多小为好?f2.8、1.2、1?是否还知道有f0.9、 f0.7的光圈?f22、32?可是又有多少人知道自己镜头中哪一档光圈成像质量最好呢?
相机要选,镜头要挑。量力而行,量出而入。够用就好!(是拍天文、打鸟、微距、舞台、纪实、人像、风光?还是旅游玩家?)
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2楼 发表于: 05-16
        2.题材
        文学、艺术创作用语。指作为写作材料的社会生活的某些方面。亦特指作家用以表现作品主题思想的素材,通常是指那些经过集中、取舍、提炼而进入作品的生活事件或生活现象。 秦牧《拾贝·核心》:“在丰富的生活之中,靠什么来摄取题材提炼题材呢? 靠思想!"
        题材有广义、狭义之分。广义的题材,泛指文艺作品描绘的社会生活的领域,即现实生活的某一面,如工业题材、农村题材、历史题材、现实题材等等。
        狭义的题材,指在素材基础上提炼出来的,用以构成艺术形象、体现主题思想的一组完整的具体的生活材料,即写进作品里的社会生活。在叙事性作品中,题材包括人物情节、环境。题材是文艺作品内容的基本因素,是产生和表现主题的基础。题材是由客观社会生活的事物和作者对它的主观评价这两个不可分割的方面构成的,是主客观的统一体。
        在摄影的创作过程中,要充分考虑到摄影作品是用凝固的画面“说话”,即视觉元素是审美对象的主体,而更重要的是在摄影活动之前,用思维去激活创作中用以展现故事(或藉以自然景观表现情感)的“凝固”画面,并使之成为摄影作品。也就是说,我们面对的摄影作品是一个可“读”性、可“视”性和可“创”性兼有的艺术品。
        鬼子进了村…
        到了一个拍摄点上,大群的摄影人“叫嚣乎东西,隳突乎南北”,你登墙,我上房,你上树,我爬杈,你站最前排,我站在拍摄对象的面前;偶尔见到一个当地美丽的女孩,一群人把脸藏在镜头后面,立刻围了上去……
        这些人在争什么呢?争的是题材,因为他们依赖的就是题材,大家花钱、吃苦、受累,寻找的不就是题材吗?不错,我们寻找的是题材,但是不是所有的摄影人都寻找到了好题材呢?解海龙的“我要读书”;林添福的“跨越半个世纪的爱情故事”;鲍鹍的“国魂”……你为什么没找到?关键在思想 !
        解海龙用了十年的时间,行程两万多公里,走了中国26个省的128个县,接触了100多个学校的上万名孩子,拍摄了上万张照片。他要用照片替农村孩子争取受教育的权利。
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3楼 发表于: 05-16
        3.思想
       一些人千方百计要设计出一幅独特的有意味的图画来。他们靠的是自己的头脑。最典型的是艺术院校摄影或美术专业的学生了。去看看他们的毕业作品展,你就会发现,他们是很有想法和意念的,有时充满了灵气。
       他们作品中现实生活的厚重感不够,表达个人尖锐的情绪者多,有时代变迁和历史内容者少。即使这样,也无法掩盖他们作品思想的光亮。从根本上说,思想是最可贵的。他们没有把仅有的钱用到买器材和找题材上,而是用到了接受前辈的思想上,首先学会了用脑。
       器材是工具,题材是取向,思想才是具有决定性的因素。单纯依赖以上哪一种都不足以成器,大量的事实都能说明这一点。有意思的是,以上三种依赖恰好是许多人学习摄影的三个阶段。
       一个人学习摄影,往往从对器材的崇信和迷恋开始。在这个阶段里,发烧是持续的,器材是越贵越好,底片越大越好,功能越多越好。经过一番掰开揉碎的试用和琢磨,手中的机器变旧了,又迷信起别品牌的相机来—买新的!又是这样一个过程。摸过几套相机之后,觉得相机就是那么回事。开始觉得拍好照片还需要好的拍摄对象,于是去寻找题材。
       迷恋器材阶段是学习摄影技术的过程,而寻找题材的阶段,是用实战手段自我分析的过程。经过依赖器材和依赖题材两个阶段,一个人的摄影技术达到了“动力定型”的程度,而且找到了自己适合拍摄的题材,下一个阶段就要开始思想。
       跑路是摄影人的必须!没有那个艺术门类需要跑这么多路。
       大批摄影人创作的目的地大都是地形地貌独特、“险以远而至者少”的地方:什么藏北、南疆、中非、南极等等,凡你难以去的地方都可能成为摄影者的目的地。
       爬雪山、走大漠,起早贪黑,莫想吃一顿正常钟点的饭,睡觉都在车上,吃什么、住什么都好将就,最容易闹纠纷的是原来想拍到的而没拍到。
       思想阶段是一个摄影人的攻坚阶段。一个摄影人能否成为一个摄影家,决定于此!从所有的摄影大师的作品里,我们都能看到一以贯之的思想的作用,这些思想与摄影的本体有关,与个人的表达欲望有关,同时与时代要求和社会状态有关,他们在摄影本体、个人表达和社会时代要求三者的结合点上找到一种属于他自己的思想,并把这种思想溶解,化为日常摄影行动,坚持不懈,于是,他们成了摄影家。
       末流的比器材;三流的比跑路;二流的比作品;一流的比思想。
       尽管我宣称“百问不烦”,但我最不愿意回答的问题是:当讲解一幅优秀的摄影作品时,有人马上会问:多大光圈?什么快门速度?很多技术层面的东西在高智能化数码相机里已经完全不是问题了。
       跳出技术的层面走向理解;在理解的基础上进入思想!
       我常用的一句(病句)话:摄影的成功靠的是照相机镜头后面的取景器的后面的眼睛的后面的大脑(思想)。
       摄影是艺术,就必须具备艺术的特点。
       艺术的特点在于它的审美价值,这是它的最主要、最基本的特征。艺术家通过艺术创作来表现和传达自己的审美感受和审美理想,欣赏者通过艺术欣       赏来获得美感,并满足自己的审美需要。  
       《华盛顿邮报》的图片编辑评价照片的标准值得我们认真思考:
       第一档次是说清楚了时间地点人物事情;
       第二档次是有视觉冲击力;
       第三档次是带有情绪;
       第四档次是能够让人身临其境。
       感人 — 艺术创作的梦寐以求
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4楼 发表于: 05-16
二、摄影创作的基本规律:
       艺术的认识方法遵循人类认识运动的一般规律。也就是说,人们对社会的认识,要经过从感性认识到理性认识的两个阶段,而这两个阶段又不可避免的统一于社会实践,并接受实践的检验。普列汉诺夫说,艺术“既表现人们的感情,也表现人们的思想,但是并非抽象地表现,而是用生动的形象来表现,这就是艺术的最主要的特点”。
      作为一种独立的艺术形式——摄影,其最基本的特点也在于它用形象反映社会生活。因此,摄影除了像其它艺术形式一样受到上层建筑的政治以及其他社会意识形态的影响外,还具有自身的创作规律,即形象、典型、形式、语言和关联等。
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      ⒈ 形象 —— 思想性。
      用形象说话,通过形象表达作者的思想、感情、观点、意见,是摄影的特殊性能。读者读一首诗、一部小说,或欣赏一幅画、一座雕像,首先引起注意的是一个个生动具体的艺术形象,一幅幅生动具体的生活图景,它使你产生如临其境、如见其人、如闻其声的感觉,从思想上受其感染、教育和陶冶。
这说明思想性也是摄影形象创作的第一要素。虽然摄影形象是依据一定的事物倾向“图解”(摄影)出来的,但其艺术形象思维与画面形象创造才是赋予作品思想性的基本规律。
      所谓艺术形象思维,即想象——对感性材料的联想和幻想。想象在其本质上也是对世界的思维,但它主要是用形象来思想,是“艺术的”思维。所谓画面形象创造,即视觉——对艺术形象的感悟和传递。
      画面构图,虽然可分为主体、陪体、环境、空白等部分,然而在一幅构图中,它们往往是组合在一起来表现内容,构成形象,传递思想的。在摄影创作中,画面语言扮演的“叙事”角色,必须满足画面语言“显形”的需要;
      因此,作者在注重其作品的写物附意、引譬连类、因物喻志、穷情写物的特点时,还应尽可能的把“思维”、“创造”结合起来,营造一个能用构图、光效、色彩、影调等诸多语言表述方式进行再创作的环境。实践证明,摄影形象塑造得越准确、越鲜明、越生动,它也越能充分地表达作品的思想内容,影响读者的思想感情。
      万里长城那种依山傍水、逶迤蜿蜒的律动,按一定距离设置烽火台遥相呼应的节奏,表现出矫健雄浑、宏伟壮阔的飞腾之势,富有虎踞龙盘、豪放刚毅的韵律之美。
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      ⒉ 典型 —— 艺术性。
      摄影创作必须从实际生活出发,要有深厚的生活基础和切身的感受。一般情况下,感觉到了东西,我们不能立刻理解它,只有理解了的东西才更深刻地感觉它。这个规律也完全适用于摄影创作者观察生活和创造作品的过程。
      作者把日常现象集中起来,进行由表及里的挖掘和去芜存菁的提炼,用典型素材与典型树立创造出具有代表性的艺术形象。这就是典型化。其要求:一是从实际生活出发;二是透过现象表现本质;三是个性与共性有机统一。
      对于摄影艺术的典型,不外乎也是根据一定的现实生活挖掘出来的。列宁说:“小说的整个主题包含于个别情节中,包含于对一定典型的性格和心理的分析中。” 这完全符合摄影创作的实践经验。我们知道,人有其性情,人有其气质,人有其形状,人有其声口。
      这些“人”来源于生活,是较为“原始”的典型素材,但通过典型树立——艺术加工后,便可达到恩格思所要求的“每个人都是典型,但同时又是一定的单个人”。当然,这要把握好一个艺术创作原则,即通过个别反映一般,通过具有独特个性的人物表现他所属社会力量的共性。在摄影创作上,使人物表现得鲜明生动、而不使个性模糊的关键就在于此。
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      ⒊ 形式 —— 文学性 。
      任何事物都有它的内容与形式,都是内容与形式是辩证统一体。对于摄影创作中的情节安排与表现形式,也是反映事物内在诸要素组织、结构和表述的一种形态。
      通常一首诗、一篇散文和一部小说,总是抒写着某种思想、感情和描述着某些人、某件事,表达着一定的生活内容;而从文学性角度来讲,摄影作品抒写什么,描述什么,这是它的内容;怎样抒写,怎样描述,这是它的形式。
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      体裁:
      体裁指一切艺术作品(及文学作品)的种类和样式,其艺术结构在历史上具有某种稳定的形式,这种形式是随着艺术反映现实的多样性以及艺术家在作品中所提出的审美任务而发展起来的。
      摄影创作者要表现的思想内容和生活内容,必须通过一定的语言描述出来,并把这些内容按其内在的规律,用一定的方式加以组织安排,使它构成为一个完整的统一体,以一定的体裁固定下来。
      例如摄影小说、摄影诗、摄影散文等体裁。也就是说,作者对于社会生活中的某些事物有了深刻的感受,在脑海里逐渐形成生动的生活画面、或人物形象,酝酿和构成作品的主题,然后才用一定的艺术手段(文学和摄影)把这些生活画面、或人物形象组织起来,赋予一定的形式,使之构成摄影作品。
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5楼 发表于: 05-16
       4.语言 —— 独特性。
       文学是语言的艺术,摄影是画面的艺术,而摄影的画面语言—“光、影、线、色”使摄影成为“语言+画面”的艺术。这种独特性,在于其不同的表述语言组合,创造了新的、独树一帜的审美对象。其具体到每一个画面、每一个细节,为了作品的整体需要,除了要求本身具有某种表现意义外,还必须具有突出整体主题的作用。
       如果离开了时间的轨迹、或承上启下的空间,画面也就失去了它存在的意义。因此,摄影创作的叙述语言应尽可能在有限的篇幅内做到形象、凝练、含蓄、新鲜、多样和富有音乐性;画面语言则应在摄影过程中,充分利用景别、角度、光线、色彩、影调等表现元素构成特定的画面语汇,并使之独具表现意义。
       总之,构成摄影作品的语言元素—“光、影、线、色”与画面的关系应是相辅相成的。只有将画面作为一个创作整体来看待时,摄影作品才具有它真正的全部的价值。
       ⒌ 关联 —— 贴近性。
       在摄影创作中,摄影者都不可能把自然现象和社会现象、政治生活和经济生活、社会生活和个人生活等等方面分割开来,作为描写和表现的对象。这两者之间,面临的同一个问题,即创作环境上的关联与作品表意上的贴近。怎样才能整合到“众口”可调上来呢? “到民间去”,“到群众中去”,“到事件中去”,才是摄影创作活动中的一条基本规律。
       在现实看来,摄影作为社会生活的反映,自然要反映老百姓喜闻乐见的东西,而各民族独特的生活方式及在此基础上形成的人文活动,最具有形象创意与作品欣赏上的贴近性。这是一种关联。也是一种亲和。有人说:越是民族的也就越是世界的。事实已经证明,只有创作有鲜明民族色彩的摄影作品,才能使其产生广泛的受众效应。
       作者通过摄影造型手段完美地塑造和表现艺术形象的。初春的早上,清冷的晨光和质感突出的岩层烘托出苍凉肃穆的气氛,硬铮铮地钢钎、沉甸甸的铁锤和一蹲一站、一正一反的两代人,推出蕴含深沉的主题……这仅仅是简陋的采石工地吗?不!它分明是一幅诉说过去,激励现在、昭示未来的画面啊!
       我们要遵循摄影创作的基本规律
       有意识地把思想性的形象、艺术性的典型、文学性的形式、独特性的语言和贴近性的关联等充分应用到创作中去。
       看到 — 想到 — 得到。
       善于观察;善于发现;善于思维;善于表现。
       艺术的主要特征是“用艺术家所体验的情感感染人”。
       摄影作品给观者一种感觉、一种情绪、一种气氛、一种形式。
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6楼 发表于: 05-16
三、摄影创作的基本方法:
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       作者通过艺术形象反映自己熟悉的生活时,在处理创作和现实的关系,像如何反映现实、如何构成艺术形象等,都遵循着一定的原则:按照生活的实际样式反映生活,或按照自己的理想和愿望来反映生活。
       显然,前者偏重于对客观现实生活作细致的概括和精确的描绘,而后者则注意对生活理想的热烈抒发。这种完全可能在摄影作品中流露出来的、按照一定观点反映和表现生活的基本原则,就是我们今天要探讨的创作方法。
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   ⒈ 意境化。
       意境:指艺术创造特别是诗歌创造所达到的一种能令人感受领悟、玩味无穷却又难以明确言传、具体把握的艺术境界,它是形神情理的统一,虚实有无的协调,既生于意外,又蕴于象内。
       风光摄影创作的过程,是对大自然认识、观察、构图、剪裁、创意、意境设计、拍摄的过程.优秀的风光摄影作品要有很强的艺术感染力,取决于是否有意境!
       当摄影师对所摄的风光以景生情、寓情于景,并且达到情景交融的境界时,可以说就有了意境,最后的作品就有了极强的感染力,就能打动观者并引起共鸣。
       创作是将无限表现为有限﹐百里之势浓缩於咫尺之间﹔而欣赏是从有限窥视到无限﹐於咫尺间体味到百里之势。正是这种由面到点的创作过程和由点到面的欣赏过程﹐使作品中的意境得以展现出来﹐两者都需要形象和想像才能感悟到意境的美。
       意境的结构特征是虚实相生。意境由两部分组成:一部分是 “如在目前 ”的较实的因素,称为 “实境 ”;一部分是 “见于言外 ”的较虚的部分,称为 “虚境”。虚境是实境的升华,体现着实境创造的意向和目的,体现着整个意境的艺术品位和审美效果,制约着实境的创造和描写,处于意境结构中的灵魂、统帅地位。
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       ⒉ 情节化。
       情节,是指事情的变化和经过。(事件的安排) 重点是因果关系。
       高尔基说,情节“即人物之间的联系、矛盾、同情、反感和一般的相互关系,——某种性格、典型的成长和构成的历史”。因此,情节的构成离不开事件、人物和场景。
       摄影不仅可以成为一种新的艺术形式,也可以认为是一个独立而极其重要的形式。摄影创作,大致有以下三种方法:一是偏重于摄影性的故事脚本;二是偏重于文学性的故事读本;三是兼顾摄影性和文学性的故事脚本。摄影者都在力求在其创作形式上做到文学性、摄影性的统一——故事情节化。
       文学需要“情节”,摄影也需要情节,这就为我们的创作调动摄影元素提供了有利的条件。故事的“编” 和人物的“摄”,均以情节为引线,这就构成了摄影元素。当然,如果我们在摄影创作时,不能对风格、对基本结构、乃至对人物的性格与动作产生作用,那就像写一个呆板的东西。
       这说明情节、情境能显示人物与人物之间、人物与环境之间的复杂关系。或者说,通过精心安排的故事情节迭宕,来构成、展示各种各样的事件和人物关系。
       细节:艺术描写的最小单位。
       古人说得好:“泰山不拒细壤,故能成其高;江海不择细流,故能就其深。”故曰:“大礼不辞小让,细节决定成败”。
       关注景物自身的细节。
       “一叶知秋”的道理。比如岩石的纹理,如果表现得当能让人感觉到时间的久远,一张能拍出时间的照片,一定让读者感慨万千。再比如胡杨木的树干上龟裂开的纹路,仿佛是诉说着当地自然环境的恶劣,这些细节在画面中都有着重要的作用。
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       ⒊ 浓缩化。
       对于摄影创作,我们可借鉴小说、叙事诗和随感(散文)的创作方法编摄可派生的、且独具特色的摄影作品。单从小说来看,通常总是表现一个故事,并通过冲突来刻画一些人物形象。如果文学作者不能在相对较短的篇幅里把典型树立起来,那么摄影者就不能有效的调动“演员”进行形体创作,也不可能通过“两度空间”——光与影(有时还有彩色)创造出“跃然纸上”的平面形象。
应该记住:摄影画面的情绪感染力和说服力首先在于视觉力量。
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       ⒋ 镜头化:摄影画面的构图规律、画面的景别(远景、全景、中景、近景和特写)—  摄影画面特定的时空元素,使画面作为一个有机的整体。
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       ⒌ 韵律化: 韵律指诗词中的平仄格式和押韵规律;也指物体运动的均匀节律。后引入到音乐、摄影等艺术表现形式中。
       一般情况下,人物固然是形象,山、水、花、鸟、风、云、雷、电等自然景物,也都可以作为诗的形象;而诗歌的本质也恰恰就在于给不具形的思想以生动的、感性的、美丽的形象。
       要熟练运用的基本文学创作方法,如题材选择、叙事风格、作品样式、情节构思、人物设置、性格塑造、主题内涵、结构手法、细节运用、对话写作、图文关系等,重要的还是摄影艺术构图方法。
       因此在摄影的创作上,宜精不宜滥,宜短不宜长,宜小不宜大。创新是成功之母。摄影的创新与实践,关键还在于一个摄影者是否真正在社会活动中积累了生活经验,得到了切身感受?只有以自己的经验和感受为基础,才能创作出好的摄影作品;否则,离开了社会生活,就不可能有好的摄影作品。
       摄影者要习惯于多观察和思考生活、多做构思和基础训练、多增加艺术修养(包括音乐、绘画、戏剧……导演等众多方面的)和多对摄影作品进行分析,坚持在实践中学会捕捉素材、娴熟运用群众语言、精心编摄审美对象、巧妙利用体裁和积极考量传播媒介,以求创作成功和传播效应。
       超常规的视点会让作品磅礴大气,秀美迷人。“壮美”与“秀美” ; “大气磅礴”与“秀色可餐”……这些都是我们风光摄影的追求。重要的是在按快门前要有思考!后期处理中要有定位!千万不要“贪”! 面面俱到=面面不到!
       一张好照片与一张优秀的摄影作品区别是什么?一张优秀作品不仅能够呈现视觉图像,也能够传达出情感。摄影一旦越过纯技术的界限,就并被赋予了感情色彩,就会成为一种艺术。
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7楼 发表于: 05-16

不要过分依赖相机的预设功能:
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       你的相机上有一堆针对雪景、运动、人像、室内及日光等环境的场景模式,但不要期待它们能拍出最佳的照片。摄影的主要变量有4个:快门、光圈、ISO感光度、WB白平衡。
       其他变量诸如焦距、闪光灯和被摄体等。学会以上几点如何互相影响是成为优秀摄影师的基础。摄影师最常用的3种曝光模式是:快门优先A;光圈优先S;·各人喜好的M。
       掌握这些基础知识后你就能创造出自己需要的场景模式。
       我是从手动M相机开始学习摄影的,用了无数胶卷积累出曝光经验。自有了测光功能的相机后,虽然仍多用M,但还是非常重视相机的测光值,它给予了我少浪费胶片的参考。自有了自动聚焦AF相机特别是自己年龄偏大眼力下降后, AF成为我的依靠(尽管感觉尚存)。现在的数码相机的AF已经非常成熟,各种测光方式完备,是完全值得信赖的。
       因此,我不会教大家这样一句话:摄影家必须用M。甚至对初学者说,只能使用M!我提倡充分发挥相机的各项功能,关键在于灵活运用!如“白加黑减”;对靠近相机的那只眼睛对焦;测光点的选择;点测光的运用;高感光度的合理运用等等。否则,在高科技的今天,战士们仍旧靠擒拿格斗而不必使       用火箭导弹了。
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       6. 不要担心寻求帮助:
       收起你的虚荣心,如果你有不懂之处就要向他人询问。如果某篇教程有不合理之处,你可以留下评论。如果在网上都找不到任何答案,你可以和朋友们讨论或向老师请教,是可以寻找到答案的。
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       7.不要固执己见:
       无论是拍摄还是后期,如果你是自学或通过别人演示学习,你或许会有一种更好的方法。做出来和大家分享。若有争议是好事,对他人的工作保持开放的心态,询问他们的认识,这会对你有很大启发。
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       8. 不要对自己的作品护短:
       自己的照片总会得到一些负面的评价。不要因个人的倾向性而忽略它们,对批评保持开放的心态,看看自己的照片是否还有改进的地方。听取批评对很多有摄影资历的人是难以接受的,负面的评价总会令人不快。但是他们指出了你的不足,以及需要提高的地方。
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       永远不要停止学习:
       互联网的伟大之一就是提供了源源不断的博客、新的文章和视频供我们学习。但也不要把自己局限于网络中。举办的摄影学习班已经越来越普遍。其中大部分都限制在几十个人之内,每次专注于一个特定的话题,比如人体艺术或微距。是一个与其他朋友交流的好机会。摄影旅行是另一个学习和交流的方法,也同样正在流行起来。
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8楼 发表于: 05-16
请远离摄影中常见的6个错误:
       1. 缺少有力的兴趣中心
       首先要考虑的是被摄体——是什么驱动你按下快门?成功的照片都有兴趣点,是整个画面围绕的关键元素。兴趣点可能是第一眼就吸引你注意的东西。你需要利用它来抓住观众的注意力。
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       2. 不够靠近
       构图出色的照片会将主题清晰地展示出来。你如何能做到这一点?好办法之一就是让被摄体充满画面。这样可以将所有不必要的元素排除在画面之外。常见的错误之一就是照片上被摄体太小或不够显眼,令观众不知所云。通常你只需走近几步,或者拉近焦距就能令照片有较大改善。
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       3. 对焦点错误
       画面中清晰的部分应该是兴趣点的位置,所以在对焦时你需要格外小心。如果焦点偏移,画面中不重要的部分成了最清晰的,观众的注意力也会随之偏移。
       便携相机和单反相机都通过半按快门锁定对焦。你应该掌握先锁定焦点,然后平移相机改变构图的方法。这会令你的照片更有创意。
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       4. 将主体放在画面中央
       主体位于画面中央会令照片变得平淡。你应该多加尝试让其偏离中心。如果你对主体的位置没有把握,不妨先从最传统的三分法则开始练习—想象画面的横竖分别有3条等分线,等分线的交点就是构图位置。
       举例说拍摄人像时,一般将眼睛放在三分点上;拍摄风光时,可以让湖中的小船位于三分点;或让地平线位于或接近任何一条横的三分线。
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       5.误入了与主体冲突的元素
       避免画面中存在与主体冲突的元素。检查主体周围和背景空间,确定那里没有强烈的色彩或图案。不拍什么东西与拍什么东西同样重要。
       你真的希望一条明显的线从城市中漂亮的建筑前穿过吗?如果你是有意为之那还好,但如果是你没有注意到就糟了。在按动快门前快速扫视一下整个画面,检查是否有多余的元素出现。一定要保持画面简洁。
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       6.不考虑光线的方向
       光源的方向,它如何照亮物体,是自然光还是人造光,这些因素的不同可以成就或毁掉一张照片。这就是为什么观察光线是拍摄的基础。如果你能意识到光线的位置不对——比如主体的表面位于阴影中,或帽子的阴影投射在人脸上,就可以避免这种错误。
       你可以改变被摄体或自己的位置,也可以等待光线变化。如果你养成观察光线的习惯,就可以因地制宜地运用光线,而不是无端地抱怨。
       每个题材,不论它宏伟还是平淡,重大还是普通,都包含着视觉美感。在观察生活中的具体事物时,如人物、动物、花朵、树木等,摄影者就不能把眼光局限在事物的属性或者本身的特征上,而应该去发现除事物本身以外,其他具有美感的东西,比如形态、线条、质地、明暗、色彩等。
       通过运用各种造型手段,在画面上生动、鲜明地表现出被摄体的形状、色彩、质感、立体感、动感和空间关系,使之符合人们的视觉规律,并给人一种真实的美感。也就是说,构图要具有审美性。其实“美到处都有的,对于我们的眼睛,不是缺少美,而是缺少发现美”。作为摄影者,要善于用眼睛去发现各种不同事物的美丽,并用自己手中的相机去对这种美加以表现。
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主题的提炼
       摄影者在选择情节和提炼典型时,一定要以体现作品的主题思想为核心!摄影艺术作品的主题思想是作品的艺术中心,同时也是摄影艺术作品的灵魂。在提炼作品的主题时,应以主人公所构成的事件场面为主,并利用环境和细节为之服务。
       经过精心提炼的主题就象音乐中的主旋律一样是情节贯穿线的核心,它可使各个局部有机的融合在一起,以达到组织、联系、推动情节发展的作用,集中而完整地展示摄影艺术作品的内涵与思想。
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9楼 发表于: 05-16
摄影创作的基本技巧:
       快门,光圈,感光度,被合称为“曝光三角形”或“曝光三要素”。它们共同作用决定了一张照片的曝光。
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      创作历程的三要素法则:
      一幅优秀的照片,三分之一由拍摄视角决定,三分之一由拍摄过程决定,三分之一由后制作处理决定。关键是你是否有想法!创作决不能“随意”!
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      拍摄视角:
      可以理解为:拍摄地点+取景构图角度;也可以理解为摄影师决定看待世界的风格和方式。摄影师不辞劳累爬高下低、左移右动、起早贪黑为什么?我最不愿意看到的是:一群人全站在那举着相机朝着一个方向。
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      拍摄过程:
      这里指事物本身自带的“决定性瞬间”和摄影师的技巧创意的集合。具体地说,一方面被摄主体的自身条件决定了拍摄时机,如风光摄影中的光线变化,人像摄影中的笑容和眼神展现;另一方面摄影师的技术与创意也在此刻共同影响画面的表现。
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      后期制作处理:数码后期必不可少!
      指拍摄完成后电脑对照片的处理。数码相机的不足和拍摄条件的限制都要求后期制作处理。这些处理过程可以被看做摄影师对自己创意的扩张和完善。
      这三个要素也可以按照时间的先后顺序区分。
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      针对画面效果的三要素法则:
      一幅优秀的照片,三分之一由画面构图决定;三分之一由光线效果决定;三分之一由拍摄技术决定。
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      画面构图:
      在取景框内安排画面元素的方式。这里包含很多概念,除了三分法等经典构图,还有影调对比、色调对比、线条和负空间(画面之外的空间想象)的使用等。
      光线效果:光是摄影的灵魂!
      光线是摄影师们最重视的拍摄条件。我们知道战地纪实摄影等摄影题材难以对光线做出要求,但是艺术摄影在这方面对自己要求很高。
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      拍摄技术:
      摄影师的拍摄技术,包括镜头焦段、光圈、最佳曝光、后制作处理等等技术。五花八样很复杂,但是这必不可少,一定要掌握。
      这三项要素不能用时间区分,它们共同对画面效果起影响。
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      小结语:
      有关摄影的三要素法则很多,如曝光三要素:快门,光圈,感光度;照片风格三要素:构图、色调、影调;构图三要素:画幅规格、主体陪体、画面留白……
      很难解析为什么这些法则都和三有关,但它们都从某一方面解析了影响照片的因素。一开始我们可以了解某些法则,进而在摄影方面有所进步,但往后也应慢慢总结自己学到的知识,创造自己的法则,这是摄影成长的一种方式。
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