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10分钟读懂世界艺术史

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楼主 倒序阅读 使用道具 楼主  发表于: 2016-06-30
— 本帖被 金的书声 从 章华艺苑 移动到本区(2017-07-13) —
人类艺术的进程已经发展了五个阶段,分别为:原始美术(原始社会至古希腊时代)、古典美术(古希腊时代至1860年代)、现代艺术(1860年代至2战后)、后现代艺术(2战后至1980年代)、当代艺术(1980年代至今)。花十分钟看完此文,你就大致了解了人类艺术的进程历史。
艺术是人类文明进程中的附属产品,审视艺术,就不能离开人类文明的进程,审视人类艺术的进程,就必须回归人类文明进程本身。人类艺术的进程不是单一的因素推动,而是由多重叠加的因素所推动,所以人类的艺术进程在单一的时间上存在着多重交叉。我们所说的当代艺术是人类艺术进程中的第5个阶段,指1980年代至今的新兴艺术形态。
  1、原始美术,(欧美指原始社会到古希腊期间,但部分国家还要漫长,非洲艺术就保留了大量的原始艺术特征,并没有发展出科学、精确写实的古典美术体系。)
  2、古典美术,(狭义的古典美术指17世纪起源于法国的复兴古希腊罗马艺术的思潮,但古希腊美术以来一直到19世纪60年代印象派兴起之前的都可以叫做古典美术。)
  3、现代艺术,(19世纪60年代印象派兴起之后到第2次世界大战期间。从印象派开始,在抽象艺术时代结束。)
  4、后现代艺术,(第2次世界大战后到20世纪80年代。以波普、概念、行为、装置为主。)
  5、当代艺术,(20世纪80年代至今。以涂鸦、插画、新材料、新媒介为主。)
注意词语区分,现代艺术之后,就不再用“美术”,而是用“艺术”,因为绘画、雕塑等“美术”只属于古典美术的范畴,但现代艺术已经不再局限于绘画、雕塑等狭义的“美术”范畴,而绘画、雕塑等狭义的“美术”也已经不属于现代艺术范畴。 (岩画是常见的原始美术形态,儿童画、农民画和精神病人的画就属于原始美术。)

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沙发  发表于: 2016-06-30
一、原始美术,人类艺术进程的第一个阶段
石器时代等原始社会人类的那些涂鸦和装饰纹样就是原始艺术,比如岩画、陶文那些。  欧美指原始社会到古希腊期间的艺术,但欧美之外的部分国家的原始美术阶段要漫长很多,非洲艺术就保留了大量的原始艺术特征。中国画也没有发展出科学和精确的写实体系,所以和严格意义上的古典美术有一定差距。
但中国画也做了跨越式的发展,在宋代就发展出类似于西方印象派的写意文人画,比如南宋画家梁楷的作品就很印象。文人画到了明末清初的八大山人就发展出类似于西方表现主义的风格。也就是说中国画的印象派早于西方印象派600年,中国画的表现主义早于西方表现主义200年,在西方抽象艺术兴起之前的20世纪初,中国艺术都是领先于西方艺术的。
人类在狩猎文明时代产生了原始美术。原始美术是涂鸦性质的,作为记录事件功能而存在。
原始美术一般是记录一些狩猎活动,宗教仪式等。最后也用于一些宗教仪式。纪事是原始美术的核心特征。
由于没有技法和功利因素的束绑,原始人类的原始美术流露出一定的无意识内容和精神图腾特征,这令重视心理学的现代艺术某些流派发现现代艺术与原始美术在无意识图腾方面的交叉。
心理学家荣格就研究过大量的原始人类的精神图腾,荣格论述最多的就是曼荼罗图腾,曼荼罗出现很多原始宗教之中,从十字架到唐卡都是曼荼罗图腾。荣格是弗洛伊德的学生,其祖父是歌德的私生子,荣格的理论体系远远超过弗洛伊德,荣格的核心理论体系是集体无意识理论,集体无意识理论认为人类的智慧是通过遗传的方式繁殖下来,现代人类的智慧遗传可以追逆到几百万年前的原始人类。为什么小孩子和精神病的绘画和原始人类很接近,因为小孩子和精神病在一定程度还能唤醒遗传自原始人类的那部分智慧。
中国画是原始美术、古典美术和现代艺术3个阶段的过度期和融合期的产物,中国画并没有发展出科学和精确的三维空间绘画体系。中国画到了写实巅峰的宋代之后,开始超前发展,向现代艺术跨越。从这个意义上来说中国现代艺术曾经领先于西方现代艺术600年。
中国画是原始美术、古典美术和现代艺术3个阶段的融合物,所以研究中国画要分成3个阶段:原始美术阶段的中国画、古典美术阶段的中国画、现代艺术阶段的中国画。
(古典美术就是农业文明时期的照相术,在二维平面上记录物体的三维空间关系,本质就是一种简单而原始的造型技术,我们今天不能过度神化和崇拜这种落后的农业文明时期的技术模式。)
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2楼 发表于: 2016-06-30
二、古典美术,人类艺术进程的第二个阶段
狭义的古典美术指17世纪起源于法国的复兴古希腊罗马艺术的思潮,但古希腊美术以来一直到19世纪60年代印象派兴起之前的都可以叫做古典美术。古典美术的核心就是在平面上准确再现物体的三维空间关系,摄影术就是为了取代古典美术而被发明出来的。摄影术普及之后,古典美术的功能基本上就被摄影所取代了,这也是促进现代艺术诞生的直接动力。
中国国画的写实主义一派、西方的古典油画,古希腊以来到印象派之前的这些东西,这些都可以叫做古典艺术。
西方古典艺术的终结者是达芬奇,因为达芬奇完美地在二维的画面上准确描述出物体的三维空间关系,达芬奇当时发现最原始的摄影术,达芬奇用摄影术来改造他的绘画技术,所以达芬奇是第一个最完美的古典艺术家。
西方古典艺术的另外一个终结者是米开朗基罗,大卫雕塑的手部连脉搏都雕刻得非常精确,米开朗基罗没有任何现代的辅助工具,米开朗基罗之后已经没有人能超过他的精确度。西方古典美术的评估标准是科学的精确度,准确地的记录客观自然界的事物,这个是西方古典美术的宗旨。
中国画是没有经历过这个精确的科学规范洗礼,准确来说中国画是属于原始美术、古典美术和现代艺术的融合产物,中国画没有完善地在画面上精确描述我们客观自然界的三维空间关系。
中国画发展到宋代是写实的巅峰,包括人物、山水、花鸟,宋代之后中国画都不行了,之后的中国画家从写实的层面都难以超过宋代画家。宋代在写实的巅峰同时也产生了属于现代艺术思潮的文人画,这个文人画是文人性质的画家搞出来的。文人画家通过书画来抒发文人的情怀,不在乎画面的真实度和准确度,也不在乎是否对客观自然界的准确记录,只在乎是否抒发自己的情感,所以文人画在宋代之后成为了中国画的主流。中国画的文人画思潮和西方印象派和表现主义的思潮非常接近,所以中国的文人画可以界定为现代艺术,而中国宋代的现代艺术则早于西方现代艺术600年。
文人画到八大山人是巅峰,八大山人在画面中强烈地表现出自己孤寂的心境。八大山人开创了中国的表现主义,而中国的表现主义则早于西方表现主义200年。
中国画虽然没有经历过古典美术完美的科学精确度,但是提前迈进了现代艺术的门槛,文人画和西方的印象派的作品很接近,比如莫奈的《日出》就很有中国写意文人画的意境。中国艺术对西方早期现在主义的启蒙是有一定的推动作用。在西方印象派现代艺术产生之前,中国艺术体系在全球是最领先的,中国的古代画家很伟大,但近现代的中国画家就难说了。
人类在农业文明时代产生了古典美术。古典美术继续了原始艺术的记录事件功能,同时也完善了记录事物功能的客观真实性和科学性。古典美术一般用来记录历史事件,宗教事件,社会事件和人物等。客观再现自然界是古典美术的核心特征。
古典美术可以看作是摄影术之前的再现技术,在摄影术普及,以及计算机图像处理技术普及之后,古典美术的社会价值就被大部分取代了,古典美术存在的意义越来越少了,古典美术现在也只是成为艺术设计专业考前班的基础训练学科。古典美术保留到现在唯一的价值,也就是手工工艺品的价值,保留了人们对农业文明时代手工工艺品的怀旧情感。
比如范曾的国画还在画农业文明早期的牧童骑牛和老子出关,这就是对人类农业文明的怀旧情感。笔墨当随时代,这种画法也明显跟不上时代的节奏。
古典美术的再现功能很多时候会和文学关联,并作为文学的插图而存在。这令古典美术在很长时期成为政治和文学的附庸品,而缺乏独立的价值和意义,这正是古典美术的悲哀。人类最后一个古典雕塑大师罗丹就终生为但丁的《神曲》做插图雕塑。
古典美术所谓的艺术性,很大程度上就是古典美术作为文学附庸品所派生出来的象征等文学修辞手法,当然最极端的就是象征,很多象征就类似猜谜,现在的广告设计常用手法,比如画个十字架象征殉道和神圣,画一堆黑金象征富贵,画2个环扣在一起象征友谊和合作等。
象征和猜谜是人类过去在智力低下的年代消磨时间的一种简单的低级智力游戏,在人类发展到高智力和高效率的年代,这种简单的低级智力游戏就纯属茶余饭后的娱乐了。
(现代艺术的进程就是用数学和几何来分解视觉平面和视觉空间的过程。因为西方文明认为数学和几何是自然界最完美的视觉形式。这最终影响了整个设计体系。但中国文明认为自然界不存在纯粹的直线和几何图形,自然界只存在曲线和不规则图形。这种东方和西方文明的冲突在后现代艺术时代,由于西方向东方的靠拢而再度融合。)
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3楼 发表于: 2016-06-30
三、现代艺术,人类艺术进程的第三个阶段
现代艺术(Modern Art)是指19世纪60年代印象派兴起之后到20世纪40年代第2次世界大战结束这个阶段的新兴艺术形态。现代艺术从印象派开始,到抽象艺术就结束了,主要流派有:印象派、表现主义、象征主义、未来主义、野兽派、立体主义、达达主义、超现实主义、抽象艺术等,现代艺术的核心成就是抽象艺术,而现代艺术的其他流派只是向抽象艺术这个终结点发展过程中的产物。
人类在工业文明中早期产生了现代艺术。这个时期是第二次工业革命和第二次城市化浪潮大幅度改变人类社会秩序的革命时期。
现代艺术的主要推动力量,就是牛顿建立的经典科学体系思想,和佛洛伊德的精神分析心理学等知识体系的普及。使艺术家更加科学和更加准确地理解客观事物和人类精神意识自身。现代艺术最直接的推动力就是照相术的发明。绘画失去记录功能之后,现代艺术家们开始寻找视觉艺术的其他本质。
抽象艺术是艺术家发展起来的视觉科学。基于混沌理论的分型数学软件可以生成任何抽象图案,并可以模拟自然界的一切物体的造型。以复杂的数学模型来解决艺术问题是艺术发展的必然路线。抽象艺术发展到最后,就是放弃了初期的简单和原始的几何图形抽象,而向东方的复杂和多层次的自然图形靠拢。
抽象艺术和古典美术最核心的差异:古典美术是讲故事,可以归属于语言学的范畴,古典美术都可以闭上眼睛,用耳朵来听明白。抽象艺术是视觉科学,只能依赖视觉来分辨信息,不能通过语言来解释。盲人可以听明白古典美术,但盲人难以感知现代艺术,更加完全不可能感知抽象艺术。
人类大约有80%的知识和记忆都是通过视觉获取的,发展人类的视觉感知和视觉信息输入,这就是现代艺术远远超出古典美术的进步所在。
语言文字是人类在智力和逻辑思维能力比较低级年代的产物,语言文字只能描述简单的事物,但语言文字无法描述复杂的事物关系。在人类智力发展到高级的年代,人类发展出高等数学和程序来解决复杂的事物关系。当然这是人类现代文明之所以高速发展的核心推动力。
在牛顿发展了高等数学和建立经典科学体系之后,以语言文字思维作为核心的群体,包括文学家、艺术家、哲学家等就退出人类文明推动力的核心群体,而逐步边缘化并沦落为人类文明社会的低等智力群体。
现代艺术的视觉感知研究领域是超越哲学的语言文字描述范围的,所以传统的哲学家、文学家和艺术家是难以了解现代艺术的。 
(现成物垃圾装置是后现代最常见的艺术形式,后现代认为相比于精心改造过的物品,垃圾才是自然界最普遍的物质存在方式。日本物派则把物体和物体之间分割出来的空间也作为艺术的元素。西方后现代艺术思潮的其中一个核心就是日本禅宗,而日本禅宗来源于中国禅宗。)
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4楼 发表于: 2016-06-30
四、后现代艺术,人类艺术进程的第四个阶段
后现代艺术(Post modern art)20世纪40年代第2次世界大战结束后到20世纪80年代这个阶段的新兴艺术形态。主要流派有概念艺术、波普艺术、装置艺术、行为艺术、行动绘画、极少主义、大地艺术、视频艺术等。后现代艺术的思想核心就是概念艺术。后现代艺术兴起于20世纪50年代,普及于60年代,没落于80年代。
后现代艺术是相对于现代艺术而言的,现代艺术源头是西方人的哲学观,古希腊哲学认为几何和数学是自然界最完美的形态,西方现代艺术(Modern Art)作品追求的是人类对自然界的精确改造,把一切都做成很完美的几何和数学形态。
但是后现代艺术就怀疑这个,认为现代艺术对自然界的改造过度了,认为不完美的东西是自然界更加广泛的存在方式。比如说一个茶杯,这个茶杯就是现代艺术的产品,很精致、很光滑,但是后现代艺术认为打碎的茶杯也是一种美,打碎的和没有规律的才是大自然最广泛的存在方式和存在形态。自然界的东西我们不去改造不去干预才是真实的存在和更广泛的现实,所以后现代艺术不是追求美,而是追求真理和现实,对事物的理解就更加完善。
后现代艺术和中国禅宗文化很接近,后现代艺术很多的艺术家都受到日本禅宗的影响,其中就有克莱因和杜尚。克莱因在日本学习禅宗,克莱因最出名的作品就是从二楼的窗户跳出去,他要体验禅宗所说的“空”这个概念。禅宗对西方后现代思想的推动很大。
人类在工业文明中后期产生了后现代艺术。相对论、量子力学等现代科学的发展,颠覆了人类固有的世界观,也导致了艺术家面对客观事物思想模式的改变。后现代艺术是对过往一切艺术价值观念的颠覆。
后现代艺术同时质疑文明崇拜的愚昧,质疑社会秩序的无效性,质疑道德本质的虚伪,甚至质疑事物的物质形态没有意义,非物质形态才是人类精神意识存在的本源。后现代艺术推崇众生平等的普世价值观,挖掘深藏在道德背后的更深层人性,是西方文艺复兴和启蒙运动之后最重要的人性解放思潮。
(当代艺术最本质的革命就是计算机科技等新材料和艺术传播媒介的改变,近30年来新兴的“当代艺术”也已经在网络游戏、电影、建筑、设计、时尚、娱乐等领域产生巨大影响,已经改变了人类的生活方式。)
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5楼 发表于: 2016-06-30
五、当代艺术,人类艺术进程的第五个阶段
“当代艺术”(Contemporary Art)是指近30年来人类新兴的艺术形态。
近30年新兴的当代艺术形态主要有2大类:
第1类当代艺术是用新技术和新材料创作的艺术作品,主要有摄影经过计算机图像处理软件处理过后的影像艺术、主要用计算机软件绘制的插画、高科技材料和医学材料艺术等。
比如德国摄影艺术家安德烈亚斯。古尔斯基的作品就是摄影再经过计算机软件处理出来的影像艺术,英国艺术家组合吉尔伯特和乔治以及日本艺术家村上隆的作品主要就是利用计算机软件处理和绘制出来的插画,美国艺术家杰夫。昆斯的放大玩具雕塑用了高科技材料,达明安。赫斯特把刨开的巨大的鲨鱼泡在医学材料福尔马林中。
第2类当代艺术是利用新传播媒介的艺术,主要有利用城市墙壁和地铁车厢作为传播媒介的涂鸦(graffiti)、利用计算机作为传播媒介的计算机图像(Computer Graphics简称CG)、利用互联网作为传播媒介的网络艺术等。
1980年代兴起的涂鸦已经对时尚、设计、街头文化等领域产生深远的影响,当年的涂鸦青年哈林(Keith Haring)、巴斯奎特(Basquiat)和现在的班克西(Banksy)都一直是世界当代艺术的主流。
计算机图像的影响则更加大,网络游戏、3D打印、分型图像、好莱坞电影的计算机特效都是基于计算机图像,计算机图像已经对广告、设计、建筑等领域产生了巨大的影响。全部用计算机图像制作的电影也已经成为了主流。
就像100年前的“现代艺术”对设计和建筑领域产生巨大影响一样,近30年来新兴的“当代艺术”也已经在网络游戏、电影、建筑、设计、时尚、娱乐等领域产生巨大影响,并且已经改变了人类的生活方式。
为什么当代艺术会在80年代兴起,80年代是地球上人类物质最丰富的第一个时代,这个时代电视普及带来娱乐产业的高度发达,几乎人类的一切需求都可以被商品化,人类的物质文明发展到巅峰时,人的一生需求也就被完全商品化了。
艺术家就在重新思考人类的意义是什么?试管婴儿和克隆技术的诞生,艺术家在怀疑我们的生命本身都已经全部被商品化了。人类工业文明发展到巅峰、商业化发展到巅峰、全球化的政治、经济、文化时代,人类再回归到自己的内心去重新去追寻人类的命运是什么?人的生存意义是什么?重新去定义艺术是什么?
举2个艺术家例子,英国最著名艺术家达明赫斯特的作品,他对生命商品化的怀疑,所以他的作品主题就是生命本质的意义,他把19世纪的骷髅在上面镶满了钻石,用最高贵的钻石沾满在最可怜的骷髅上,他就把你拉到死亡和宗教的疑问上。达明赫斯特一些作品把鲨鱼从中间剖开,观众从巨大的鲨鱼尸体中间走过,真实生命和死亡的震撼对观众的冲击是巨大的。
当代艺术最出名的雕塑家是杰夫昆斯,他把街头的商品用不锈钢放大几十倍到几百倍,作品表面打磨得很光滑,他把这个作为人类商业文明的物质图腾,当代商业我们崇拜的是商品,比如说我们崇拜速度,崇拜跑车。西方艺术家掌握了人类工业文明的本质,商业和技术才是人类最核心的推动力,艺术在这个时代一定要改变,不改变就被商业社会和技术潮流所淹没了。(2016年05月11日 出山网)
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6楼 发表于: 2016-06-30
简单四步 教你如何欣赏一幅画

艺术欣赏是个高逼格的事情,学会欣赏一幅画作,将会为你加分不少。那么如何欣赏一幅画呢?其实很简单,只需四步即可看懂一幅画,一看构图,二看色彩,三看光影,四看笔触。虽然粗暴了一些,不过大致如此。下面详细说说,简单粗暴有效,教你如何欣赏一幅画。
一.构图
当我们看到一幅画作时,第一眼看到的首先是大致结构,构图是对一幅画作整体的把控力,也决定了画作的广度和深度。
对观众而言构图的美感经验也是最直接的,对艺术作品的形式美的感受也是最为干脆的,在艺术画作形式美的所有因素里,结构形态的形式美感是重要的基础。
合理的构图形式能通过视觉作用的强弱对比,对观众的第一眼印象产生支配作用,明确画面的主要部位即画面中心,引导视觉的顺序,使观众能在一定的思维上基本按照作者构思的线索去浏览画面。这就是构图的特殊功能。
1)三角构图举个例子:

詹建俊《狼牙山五壮士》。三角形构图,稳定感十足,《狼牙山五壮士》的仰视效果则增强了壮士宁死也不屈的刚毅之感和形成永恒的纪念碑式的稳定感,是不是赶脚就跟葫芦娃的葫芦山似的极富力量感。

达·芬奇《蒙娜丽莎》。三角构图的特点就是在画面中所表达的主体放在三角形中或影像本身形成三角形的态势,此构图是视觉感应方式,一般用于不同景别如近景人物、特写等,多用于画中主题明确的作品,当然也有繁复多杂的三角构图,下面我们就来个超级复杂的三角:《梅杜萨之筏》
在《梅杜萨之筏》中可以看到除了三角线以外,《梅杜萨之筏》还运用了各种曲线和倾斜线,结构明显比上两幅要繁复多杂。

这是因为它的主题与内容比较复杂,人物的情绪紧张动荡,变化又丰富多样的缘故,从而这决定了作品画面的分割必须是各种构图形式的综合运用。使画里的人群和筏上的船帆形成了两个明确的倾斜三角形,准确有力地表现了落难者在求生欲望的挣扎中相对暂时的稳定感,同时又时刻面临死亡的威胁,存在严重的覆灭危机感。重要的是作者运用这两个倾斜的三角形结构表现了作品生与死的命运问题的基调。与此同时整幅画采用了金字塔式的构图方式,这些因素决定了这件作品基本的构图形式。
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7楼 发表于: 2016-06-30
2)平行构图
拉斐尔《雅典学院》和达·芬奇的《最后的晚餐》。可以看到,这两幅整体都是运用平行辐射线式的构图,《最后的晚餐》里耶酥处在画面中心位置。正是因为平行线的轴心在视觉上自然集中的效果,因此画面中所有的人都紧紧地联系到了耶酥的身上。整排的人和前面长桌子形成平行的水平线,使之在构图中形成向两边展开的视觉感觉。这种视觉的引导使所有弟子的不同面貌、不同的心情、性格逐一呈现在观众面前,为充分刻画出每一个形象以及他们之间的联系提供了足够的空间。
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8楼 发表于: 2016-06-30
3)十字构图
霍贝玛《树间村道》。画面主要运用了垂直线和水平线的分割,对空间的立体分割上强调了道路向远处延伸的运动透视感感。因为水平线压低的缘故,增强了两条垂直线向上的生长趋势,打破了呆滞的画面格局,单纯而简洁大气。

再来个综合的,就不画线了,看到这里大家可以自行捕捉一下构图方式。图例:拉斐尔的《西斯庭圣母》
《西斯庭圣母》的画面结构看似简单,但是细看画面却同时运用了十字形和正三角形与圆形三种构图方式。从抱着耶酥的圣母到下面两个小天使的内在联系呈现十字架效果,使画面油然而生一种神圣庄严而不可侵犯的气氛。同时,圣母和教皇与摩达拉形成正三角形的视觉效果,画面人物上方的两块帷幕虽然显得有些古板却正好加强了这种三角形的效果,圣母那从容沉着,豁达大度的精神表情状态得到了唯美到位的表现。而放眼整幅作品几组人物形象又形成了一个椭圆形,因此起到了加强了各个形象之间的联系感。
通过以上对一些绘画书籍的研读和构图实践了解后,已经可以了解到构图的大致魅力了,构图形式可以通过视觉作用的强弱对比,对观众的第一眼产生了吸引性的作用,支配性作用,鼓舞性的作用,明确作品画面的中心,引导观众视觉的顺序,使观众基本上按照作者的线索去浏览画面欣赏画面,这就是构图的特殊功能和在绘画中的特殊地位。
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9楼 发表于: 2016-06-30
二.色彩
如果是构图是大纲的话,那么色彩就是一幅画作的语言,也是绘画诸要素中最具感情特征,是绘画者表达自己与观赏者交流的一种独特方式。我们经常看到,有的绘画作品,虽然构图一般,但由于色彩处理得恰当,还是能吸引观众。与此相反,有的作品,如果在构图、素描、透视、解剖等方面都具有一定水平,但在色彩处理和运用上存在问题,这幅作品就逊色了。说到色彩首先当然是说说梵高《罗纳河上的星夜》:
梵高《罗纳河上的星夜》。梵高用像太阳一样炙热的黄色,还有那忧郁哀伤而又近似疯狂的蓝色。这些色彩之间对比单纯、强烈,像具有鲜活热情的生命体,让我们不自觉地为画面而感动,共同融入到画家丰富的主观感情中去。再来看看另一个大神莫奈的《日出.印象》:

莫奈《日出印象》。画中多种色彩非常随意、零乱就赋予了水面无限的光辉,并非准确地描画使那些小船依稀可见。散发出的光线、色彩、动感和充沛的活力,取代了以往绘画作品中死版的配色。

来个抽象的,在吴冠中《中国城》中,吴冠中用简单的颜色组合粗犷的表述出城中的灯火楼房,飘逸爽快简洁有力,色块和留白毫不违和,使画面充满动感。

马蒂斯《马蒂斯夫人像》。两种主色的冲突搭配搭配,画面效果极其强烈产生出耀眼的闪烁效果,使画面充满了纯绘画性的魅力。让一个沉静的头像生出这样丰富的视觉效果来。到这里现在我们对色彩的影响力和表现力也有了一定认识,色彩是引起我们共同的审美愉悦的、最为敏感的形式要素。色彩作为最有表现力的绘画要素之一,它的性质直接影响我们欣赏绘画作品时的感情。
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10楼 发表于: 2016-06-30
三.光影
光影实际上是指画中物体受光、背光和反光部分的明暗度变化以及对这种变化的表现方法。我们用眼睛感知物体是靠光的反射,在绘画上也大致如此,在光线照射下出现三种明暗状态,称三大面,即:亮面、中间面、暗面。首先来看看阴影狂魔伦勃朗的作品《浴女》:
伦勃朗《浴女》。画中色调柔和趋於暗色。在从高处投来的神秘光束映照下,人物彷佛从阴影中浮现出来,走向观赏者。贴身衣裳的白色和肌肤的明亮色调,突出了人物的形体,层次变化细微而丰富。她身后的衣服金黄与红色相间,愈发衬托出她身上的白衣以及撩起衣摆的憨态朴实无华。一个正待洗浴的女子正宽衣下水,神情微妙,初试水温,显出欣喜的画面就这么出现了。

维米尔《窗前读信的少女》。格局虽小但却拥有丰富的表现力,巧妙平衡的构图让其显得更为优美而精准,其中光线的唯美应用创造了一种柔和、弥漫的氛围。维米尔对色彩的卓越把握体现的淋漓尽致,画面中运用的各种蓝色色调一定会让观众流连忘返。光影是自然中出去色彩崴最直观的视觉要素,对画面的具体感真实感也起到了最为重要的作用。光影效果的发型与运用大大的丰富了人们的视觉神经,也直接使得绘画技术进一步走向现实,走向客观,走向更深层,更内在,更微妙。
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11楼 发表于: 2016-06-30
四.笔触
绘画中的笔触指的是画家在绘画过程中笔、颜料、画布三者之间相互作用后留在画面上的痕迹。它在画中起着相当重要的作用,是绘画艺术区别于摄影艺术的重要标志。笔触作为绘画艺术中的基本元素,有其自身的艺术形式美,是绘画形式美的一部分,也是艺术语言的重要组成部分。
梵高《自画像》。在画中看见,之前的夜景是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的,和这里自画像里呈主导趋势的曲线笔触产生强烈对比;画中用了一些颜色变化特别微妙的色彩用油画刀刮制而成,留下了许多丰富的笔触。这些笔触因为有色彩,形状,厚薄,肌理的变化,使得这个人物有着不同的层次,这些层次变化产生了一个朦胧充实的形象。整幅画面刻画就生动起来。

蒙德里安《红、黄、蓝的构成》。咋看之下除了色彩和布局巧夺天工之外就没有其他了是吧,下面再细看:

如果你蹲下身,逆光往上看这幅画——在展馆里是个很狡猾的办法,因为这样会暴露出画作的裂缝以及表面——从画布的纹理可以看出蒙德里安画作中黑色长方形用的颜料较薄。而黄色色块使用的颜料就厚重多了。再凑近点看黄色区域能发现这个绘画表面相当丰郁,每个表面和线条都有它的纹理:条纹被刻出了脊线;一些表面,比如蓝色区域,有油漆工人试图避免的徒手画出来回刷笔的纹理痕迹。
放在一起这幅画作有了丰富的表面纹理,艺术史学家称之为制作法。
下面的一幅绘画功底十足的学生模仿的作品,只得到一片松软散淡的蓝色,毫无质感可言。当然两三步之外你是完全看不出这些的,这就是大师级别的笔触。
无论是什么类型的画作,一幅画就是由笔触的轨迹构成的,笔触是一幅画的根本,实质的东西,也是分析一幅及研究作者当时情感取向的重要依据。通过油画材料和工具在画面上创造的丰富肌理痕迹,诠释自己的艺术观念、审美观念及价值取向。我们也可以就此打开另一条美的道路。
最后,一般我们对画作欣赏,首先是感知、想象、情感体验等感性认识方面。然后运用视觉感知以及其他器官的综合作用、生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象。即从感性认识上升到理性的一种比较深刻的认识。
当你开始意识到这种一种丰富、光耀的效果,一种深度的时候,并且享受以上四个方面带来的美的时候,恭喜你入门了。
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12楼 发表于: 2016-07-19
如何从容地欣赏一幅油画
沈行工 2016年07月18日

油画的欣赏过程应当是从容的,这似乎应该是一个众所周知的常识。但是在当下,人们的工作、生活节奏加快,科学技术和资讯高度发达,快餐式的消费方式已经成为某种时代特征的状态下,艺术创作和欣赏艺术作品,如果有一种真正能够倾注情感的从容心态,那将是十分难能可贵的。
我们面对的是几近泛滥的文字和图像信息,手上有一个智能手机,能看到数不尽的图像,但是大多是在浏览。
面对这样的图文信息,不能仅止于浏览。浏览不等于观看,浏览不等于阅读。大量的碎片化信息的累积,如果没有筛选的过程,是很难理出一个清晰的思路,或者得出一个明确的结论的,更谈不上审美的体验。
所谓从容,也就是说要有足够的时间,去观看,去阅读。不能仅仅是浏览,必须是观看,观看就需要仔细的观察品鉴,就会有观感。只有从容的观赏,才能建立起自己的审美判断能力。
举两个例子。

泰奥多尔·席里柯《梅杜萨之筏》491×716cm,布面油画,1819年,巴黎卢浮宫藏
法国浪漫主义代表性画家席里柯的作品《梅杜萨之筏》,这是一个惊心动魄的激荡场面。我们会发现画上很多线条的方向,几乎都是倾斜的,无论是帆的缆绳,桅杆,木筏,还是人物的姿态,几乎没有一个是垂直方向,或者水平方向,因为只有这种倾斜的线条方向,才更加凸显了画面动荡的感觉。

梅杜萨之筏沿用了古典主义金字塔稳定式构图,这种稳定的构图样式一直沿用到今天时尚摄影当中被套用借鉴。
如果深入地看,就不仅看到了动荡的画面,而且领悟到了画家处理画面时的一片苦心。再将这幅画和同时期的新古典主义代表画家达维特的画作比较。

杰克·路易斯·达维特《荷拉斯兄弟之誓》330×425cm,布面油彩,1784年,巴黎卢浮宫藏
这幅《荷拉斯兄弟之誓》,也是有激情的一个场面,但他采用的是平行透视,都是水平方向的线条,地面纵向线最后的灭点也会是在中心,他想凸显一种庄严的感觉。
构图示意

达维特的其他作品也都是用平行透视的方式来处理画面的。而席里柯和德拉克罗瓦的画,则经常会用成角透视。
通过比较,我们不仅看到两位画家对于题材不同的处理方式,同时也看到了两个重要的画派在艺术处理手法上的差异。 

列宾《查波罗什人写信给苏丹王》203×358cm,布面油彩,1880-1891年
列宾这幅《查波罗什人写信给苏丹王》表现了一个宏大的场面。为什么他的画会有千军万马、气势磅礴的感觉?显然和处理手法有关。他在构图上用的是一种裁切的方式,画面人物到了靠近画边缘的地方,有一部分就切出画外了,感觉还有延伸,两边都是这样。

你会觉得在穿着白色大衣这个人的右边肯定还站着很多人。我们还会发现,他善于利用人物的姿态、目光,来表现这种深远的扩展的感觉,穿白色大衣的人,眼光是向着画外的,仿佛那边还有人和他交流。

中间有一个人,手指指向后面,指向画面深处。前面这个光头的人是倒向观众这个方向的。也就是说这样的一幅画面的构图,是向着四面八方在扩展延伸的,因此画面宏大,很有气势和力量。
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13楼 发表于: 2016-07-19
如何从容地欣赏一幅油画
如果构图改变,人物四边都是空地,一群人站在那里,哪怕这群人画得再多,几十个、上百个,仍然会觉得不多,还是冷冷清清。这就是油画的艺术语言,必须要仔细地去观看,才能领悟到。
其实很多现当代的油画,也是需要我们去从容地观看。当有了足够的时间,你才会有思索和冥想的时间,我觉得思索和冥想不光哲学需要,艺术也需要。
从观赏的角度来讲,如果只是一晃而过,走马观花,很难被真正的感动。实际上即使是一些看起来比较简单的作品,比如静物或风景作品,甚至是抽象的作品,也需要我们去静静的,慢慢的观看。

罗斯科的画幅通常较大,站在画静静观赏,观者殊不知自己亦成为画面中构成的一部分,而沉浸在画面中不可自拔。在简洁的画面构成之中,任何看客的随意停留,又形成新的有趣景象。
观看油画是一个图式解读的过程,只有学会了图式解读,才能够更加深刻地体会到画面背后的情感的力量。比如说看抽象绘画,实际上就跟听无标题音乐很类似,它还是会打动观众的。

被称作色域画派大师的罗斯科,常常是两米大小的整幅画面,就简单的两种颜色的衔接,但非常强烈,令人震撼。还有米罗的作品,有时一大片的蓝色上面有几个黑色的点,一排过去,最后一个红点。
站在画面前能似乎感觉到有敲击的声响和节奏,会被它吸引。它打动人的实际上更多的是一种情感的触动,触动之余或许会有沉思,会有联想。抽象的作品不同于主题性、情节性绘画,那是不同类型的作品,而这些作品一直到今天都是存在的,也给绘画带来了新的空间。
对绘画作品的图式解读过程未必是一个理论性的阐释过程,很可能实际上是一个直接感应的过程,是一种感受,要尊重自己真实的感受。我们去看一个展览,站在一个作品前面你被它吸引了,打动了,多留了几步,可能已经看懂了。
通过多次的比较,多次的实践,观看经验会越来越丰富。观看也是需要学习的,不仅需要学习,还需要练习,有时可能是在一种不自觉的状态下进行的。通过多次的观看和比较,会获得经验,这种学习的过程,实际上就慢慢地进入了图式解读的过程。
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14楼 发表于: 2016-09-21
美的巡礼 我眼中的西方美术史
作者未知

写下这些文字,是被一种奇怪的倾诉欲望所支配。这欲望,源于最近读美术类书籍过程中,不断产生的悸动。好似一扇扇隐秘的门被无意中撞开一样,一道道靓丽的风景不断冲击着心灵。这种倾诉的冲动,宛如牙牙学语的孩童一样,并非为表达思想而说话,仅仅是为了诉说而诉说。于是,我试图用最粗的线条对我所了解的西方美术史做一个约略的轮廓勾勒。
需要着重说明的是,这里只有我个人的感悟和观点,不一定符合正统的教科书要求。特别是对作品的诠释,带有强烈的个人色彩,仅供参考。如果有人指出我的理解偏离正统,我承认,但我并不以为自己包藏祸心,毁人不倦。有了这些话垫底,就可以开始放心地写下这些文字了。
一.和谐的美——古希腊纯真的艺术
一提起希腊,欧洲人就会从心底里涌起一种家园感来,正像雪莱在诗中吟道的一样:“我们都是希腊人”,的确,西方真正意义上的美术,是从爱琴海边的希腊城邦开始的。古希腊艺术所展现的,是“和谐是美”的高超理念。古希腊艺术的美,是无所不包的和谐与规律性,还有庄严与静穆。处于神话时代的希腊人,把对人的欣赏和自豪延伸到了对神的歌颂,他们的神与人同形同性,不是不食人间烟火的东方神祗,而是一个理想化的人。他们的艺术虽然大多以神为题材,但实质却是在歌颂人,歌颂人的力量,歌颂人对自然的征服。他们热衷于表现人类神奇的、完美的裸体,表现出少年般的自信与好奇。他们热情坦率地表露人类丰富的感情,人类纯朴的天性和对美的渴求。一句话,这是人类纯真的少年时代!
古希腊艺术的成果是辉煌的,但是,流传至今的,主要是雕塑作品和建筑遗迹。其它艺术作品已随时间的流逝而消失在历史的尘埃之中。现存的希腊雕塑作品主要有《弥罗岛的维纳斯》、《拉奥孔》、《雅典娜》、《胜利女神像》、《赫尔墨斯与小酒神》、《掷铁饼者》。建筑遗迹有雅典卫城、帕特农神庙。
米隆的《掷铁饼者》,完美地诠释了希腊艺术“和谐是美”的最高理念。艺术家选择了一个“一触即发”的瞬间来展开作品。在这个力量积蓄到最大,总爆发前的临界点上,人体本该处于最不稳定的瞬间,然而,雕垂的左臂、躯干和右大腿构成了一个三角形,张开的双臂与健壮的腿部延长线构成了一个的更大的三角,交叉的小腿与地面也是一个三角结构,这样就使整个作品稳定了下来,将一个最不稳定的瞬间,和谐地凝固成稳定的造型,从而传达出美的信息。运动员扭曲的身体、绷紧的肌肉,与面部安详的表情,在强烈的对比中,又构成了一派和谐的景象,并带有某种音乐般的节奏和韵律。作品还突破了雕塑“长于表现静止,不长于表现运动;长于表现瞬间,不长于表现过程;长于变现空间,不长于表现时间”的禁忌,让我们欣赏到了一个在时间线上展开的艺术过程。就运动员本身来说,骨骼匀称,肌肉健硕,表情淡定,几乎完美无瑕,是一个和谐的整体,是一个理想的人体,可以说是一个神的化身,是一个供人们欣赏的完美的人,从而在人们内心中呼唤起对自身美的赞叹,对自身蕴藏的力量的自豪。
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