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莫奈在他的画中对光线的处理做各种尝试。 所有的竖画都被“一条条长长的光束从上到下垂直穿过”，经过画面的两处阴暗部分，洒满画的下端。
如《睡莲，晚间效果》一画，在鲜黄、桔黄和朱砂色彩的烘托下，像是一团燃烧着的火。旋风般强劲的笔触增加了火焰在睡莲云间扭曲上升的感觉，呈现出一片视觉的梦幻世界。这里，没有睡莲，只有一个个暗暗的大圆盘，其中，时有明亮的笔触将它们凸显出来。再也没有空间的标志，只有被画笔捕捉到的光和色彩。

塞尚后期印象画派的代表人物，是印象派到立体主义派之间的重要画家。
塞尚认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他的作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。
塞尚认为：“画画并不意味着盲目地去复制现实，它意味着寻求各种关系的和谐。”从塞尚开始，西方画家从追求真实地描画自然，开始转向表现自我，并开始出现形形色色的形式主义流派，形成现代绘画的潮流。
塞尚这种追求形式美感的艺术方法，为后来出现的现代油画流派提供了引导。特别在塞尚晚年时，他为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。
塞尚毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，也被称为“现代绘画之父”。
在二十世纪绘画和十九世纪画家中，从成就和影响来说，最有意义的就是塞尚。
塞尚是一个很少为人理解的孤独者。他终生奋斗不息，为用颜料来表现他的艺术本质的观念而斗争。这些观念扎根于西方绘画的伟大传统之中，在包容性方面，甚至属于艺术中最革命的观念之列。
塞尚自画像：

塞尚《玩纸牌的人》。在这幅画中充分的表现了他对色彩和明暗对比的安排 。

塞尚在《三浴女》作品中画的三个女人个个身躯庞大，还带有一点色情意味。这是与女性美标准是不相符的。塞尚不是意在显示人物躯体的美感，而是想表现其举手投足的姿态所显现的力。
三位女性被安排在一种想象中的三角形位置上，其躯体的轮廓清楚地显现于画面上。只是背向画面的女人左臂伸出了画面，显示出画面之外还有一人，此人只在树叶丛中露了个头。站着的女人正要进入水中，突然停下，面部向此陌生人转了过去；而其臂膀像是在半空一样停留在了第三人的头顶上方。在两位褐发女郎中间的这位惟一的金发女郎，也即画面上的最后一位，所处位置稍偏一点，身子弯了下去。这三个女人形体粗壮；这样的人，人们在任何时候都可以见到；画家对她们的身份未予点明。她们肚皮滚圆，臀部宽大，两只乳房沉甸甸的，令人想到生殖力这一概念。
我想塞尚无疑是想说：顺自然之力来繁衍后代~~也就是说应当剔除学院式的矫揉造作，以现代的生动形式涉足传统的重大题材。

我们在来看，塞尚的《静物苹果篮子》这幅静物~~
塞尚仔细地安排了倾斜的苹果篮子和酒瓶，把另外一些苹果随便地散落在桌布形成的山峰之间，将盛有步糕点的盘子放在桌子后部，垂直地看也是桌子的一个顶点，在做完这些之后，他只是看个不停，一直看到所有这些要素相互之间开始形成某种关系为止，这些关系就是最后的绘画基础。这些苹果使塞尚着了迷，这是因为散开物体的三度立体形式是最难控制的，也是难融汇进画面的更大整体中。为了达到目标，同时又保持单个物体的特征，他用小而偏平的笔触来调整那些圆形，使之变形或放松或打破轮廓线，从而在物体之间建立起空间的紧密关系，并且把它们当成色块统一起来。
塞尚让酒瓶偏出了垂直线，弄扁并歪曲了盘子的透视，错动了桌布下桌子边缘的方向，这样，在保持真正面貌的幻觉的同时，他就把静物从它原来的环境中转移到绘画形式中的新环境里来了。在这个新环境里，不是物体的关系，而是存在于物体之间并相互作用的紧密关系，变成为有意义的视觉体验。
塞尚就是通过这些东西取得了他的最后成果的。
塞尚是绘画史上的一位伟大的造型者，伟大的色彩家和明察秋毫的观察家，也是一位思绪极为敏捷的人。

在高更看来，选用颜色的时候只有两点值得考虑。一是这种颜色的象征意义；二是它与邻近颜色所产生的对比效果是否能产生“平面深度”的感觉。后一种尝试正是源于塞尚的思想，这也正是塞尚把高更称为“骗子和小偷”的原因。
凡高和高更在对绘画的理解上也有着本质的不同。凡高对客观的真实十分注重，只是在这个基础上做必要的夸张，以达到“表现自我”的目的；而高更对客观真实却毫不在意。他极力简化形状，以赋予作品暗示性和象征性。他追求的是让观者产生联想。在笔触上，凡高用各种各样的小笔触、点、小直线、特有的旋涡笔触；而高更却是大面积的平涂。在用色上，凡高十分注重补色原理，经常把互补的笔触并列在一起，使其“彼此渗透以产生神秘的色调颤动”。而高更用色的时候则只考虑其象征意义，以及颜色对比所可能产生出的空间感。下面帖的几幅高更自画像，便很好地体现出两人技术上的差异。
高更赠给凡高的自画像——



高更对自己的这幅画像十分自负，送给凡高时附有一封长信。高更在信中给这幅画起了一个名字《被抛弃的人》：“就像雨果的《悲惨世界》主人公冉阿让一样具有高尚的气质和善良的内心，脸上血管淌着热血，眼睛周围是融铁炉的色调，表现画家的内心炙热。眼睛和鼻子的画法像波斯地毯的图案，导向抽象的和象征的艺术。用小孩的色彩画成柔和的供少女房间中装饰的壁纸背景，这个冉阿让意志坚定，十分可爱，却遭受社会的迫害，被置身法律之外，难道他不也体现了当代印象派画家的形象吗？我画了他，并把他画成我的模样。我送给你的不仅是我的画像，而且是作为不幸的社会牺牲品的我们所有人的画像。”
凡高赠高更的自画像——

凡高选了一幅刚画好的自画像，送给高更。
凡高说这幅自画像：“画在浅绿色背景上的灰色画像几乎没有色彩。”
凡高也在信中说：“可以把我送给高更的自画像与高更自画像比较一下。我在写给他的回信中说，如果允许我赞扬我的个性的话，那么我就当仁不让了，我努力在自画像里不仅画我自己，而且还画了所有印象派画家，我把自己画成一个和尚，永生佛的忠实崇拜者。当我把自己的构思与高更构思相比，我发现同样严肃，但较少绝望。”

高更在冷静思考每一个笔触的时候
凡高在表现新天地的快乐。
通过在自画像上的较量
他们进一步了解了对方
更重要的是产生了精神上的共鸣。
终于
两个月后的一天
高更来与凡高同住了。
不久
两位艺术疯子因为艺术观点相异，屡起争执，互不相让。
最终，凡高狂疾初发
最终，高更匆匆离去。
他们注定要各自走各的路。

其实，在他们交换自画像的时
已经看到了较量的影子。
他们都太有个性了，世不容彼，而彼亦不容人。
大师的命运多么不同啊！
相同的是他们的追求。
他们的孤独和激情都深埋在一幅幅的自画像里。

看了上面高更的作品，您有感觉吗？再说下这位很不寻常的艺术大师、怪人、疯子和天才的混合体~~
高更在自己的绘画天赋召唤之下，35岁时辞去了银行的职务致力于绘画，38岁时与家庭断绝了关系，过着孤独的生活。
高更受到印象派朋友的影响开始作画。高更总是向往着远方，留恋那些具有异国情调的地方，他要求抛弃现代文明以及古典文化的阻碍，回到更简单、更基本的原始生活方式中去，他很愿意过野人的生活，这使他在39岁时踏上了去巴拿马和马提尼岛的旅行，在那里找到了自己期望的东西：茂密的植物、永远蔚蓝的天空、慷慨的大自然、简朴的生活。后来因事不得不离开这个热带的天堂返回法国，这时正好40岁，精力充沛而有主见，保留着尊贵高傲之气。他是位具有强烈个性、惹人讨厌又招人喜欢的人，粗鲁和高雅并存，他总是强烈要求自我表达，要证明自己的价值。
高更到了原始地，他在那里找到了天堂一般的环境。明晰的线条、硕大的体积感、生硬的对比色彩，从此他与印象派决裂~~
简化了的巨大形状，均匀单一的色彩，分割主义，无阴影的光，素描与颜色的抽象化，超脱自然，这就是高更所发现和创立的艺术。
高更在物质上的收入是零。而他那新颖、神秘、野蛮的绘画，迎得了一些崇拜者。可巴黎文明人的嘲弄又使他返回塔希提岛。这样，便有了今天广为人知的脱去了文明的衣服，独身一人赤裸裸地置身于伟大的自然之中的高更的传说。

高更完全把注意力集中在造型上。他用于造型表现上的线条已经不再说明对物体的影响，而是为了加强造型表现上的装饰性。
后印象主义是反对印象主义的运动而非延续。就如高更的一句话：
艺术家应该从他的内心去观察。

        印象主义注重在绘画中对外光的研究和表现，提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，从而抛弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己眼睛的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。在印象主义之后，出现了被称之为“新印象主义”和“后印象主义”的思潮和派别。

凡高就是“后印象主义”的其中一位杰出画家，他和塞尚、高更等人代表了印象主义之后的另一种倾向。这群画家不同于印象主义和后印象主义的地方，是不满足于客观主义的表现和片面地追求外光与色彩，而强调抒发自我感受，表现主观感情和情绪。后印象主义重视形和构成形的线条、色块和体、面。强烈的内心化和个性化，是他们创作的特色。
凡高是一位最令人怀念和感动的画家，他的悲剧性的生涯，造就他那与众不同的传奇色彩。他的画，的确耐人心赏，也让人感动，带给我们感受到仿如亲眼看到一个新鲜而更美丽更有意义的世界，几乎重现凡高生前所到之处及所见景物，让我们从中体味和认识这位19世纪产生的伟大悲剧人物的艺术心灵。
凡高是一位天才型的画家，他与拉斐尔一样，去世时才三十七岁。
凡高是位极端孤独、无比热情的艺术家。凡高遭受过最深的苦恼，吃过最多的痛苦，事业上的失败，感情上的失恋，癫痫病的时常发作，使得他周围的人和亲戚都以为他是疯子，他的人生饱尝寂寞、孤独，在痛苦的边沿挣扎。
凡高悲天怜人的仁慈心肠和孤傲，使他无法适宜充满邪恶的社会，在遭遇困难而陷入生活不安的这个时期，他最敬佩米勒充满人道主义的绘画。
凡高在艺术才华上所表现的特异感觉。他的有些特异观点，甚至使他的家人感到惊奇和可怕。当凡高看到黄昏时候沉入地平线的太阳时，总说这个深红色的太阳是黄色的。据说当他看到闪烁在月空的星星时，却认为晚上比白天还要亮。
凡高没有运用一点绘画技巧知识，他就是用自己随心所欲的方法作画。

凡高觉得世间的一切景物都是美的。每当他凝望大自然时，就会有某种灵感出现。
他的表哥曾向凡高建议，应该画一些石膏素描之类的画。
凡高反驳说，这种没有生命的东西根本没有画的价值。
练习画石膏素描，就是到今天还列为美术学校的入门课程，凡高却认为这并非有效的学画方法。艺术是通过主题表现作者感情和意志的东西。只要是这样，如果一味地画石膏素描，那就是最笨的方法。所以凡高的注意力不是完全放在技巧上。

凡高在自己的作品中，表现出他自己以及他的生活、内心感受。
凡高的作品都充满了他对生命的热爱，诉诸了他内心强烈的感情，他赤裸裸地说明他自己。他注意提高色彩的明度、强度和张力，在自己的绘画中吸收日本浮世绘绘画的养料，追求单纯感和表现力，他把油画中色彩和线的表现力提高到一个新的境界。
凡高的作品，没有什么玄虚的理论，而是一种自我反省的结晶。
凡高与塞尚、高更同被美术史家归纳于后期印象派画家。
凡高被誉为“表现主义”的先驱。
凡高是透视未来的画家。
凡高是天才，是狂徒，是悲剧的主角，是大众画家。

门采尔是德国自文艺复兴丢勒之后最伟大的画家，他90岁去世时德国皇宫为他举行只有元帅和将军才能享有的盛大葬礼。
门采尔是伟大的油画家、版画家、粉画和水彩画大师。
他的作品广泛而深刻地表现了德国社会生活风俗，尤其是对工业生产和工人生活的描绘，为同时代的欧洲画坛所罕见。
门采尔也是著名的素描大师，他造型严谨，笔法生动，很有表现力。门采尔在晚年享有崇高的声誉，在他70岁时被聘为柏林大学名誉校长，71岁时被俄国彼得堡美术学院聘为荣誉院士。
门采尔毕生奋斗的箴言是：我们的命运只是攀登，达到高峰乃是下一代的事业。
  自画像:

门采尔对绘画艺术的不懈追求、专注，使他付出的辛劳获得极大的丰厚回报，在德国，人们热爱门采尔的艺术，对他“苦行僧”般的艺术赤诚和忘我的精神无不惊叹和钦佩，使他在有生之年就获取了艺术大师的尊称。

柯勒惠支是表现主义版画家和雕塑家，20世纪德国最重要的画家之一。
柯勒惠支出生于俄罗斯，14岁时即开始学习绘画。她的作品不仅以尖锐的形式把在资本主义制度下工人阶级的悲惨命运和勇于斗争的精神传达出来，而且唤醒人们反对侵略战争，要根除战争根源，实现世界大同的理想。
在第一次世界大战中，他的儿子被征入伍在西线阵亡。她创作了许多悲伤母亲的形象，宣传反战思想。她的作品充满悲伤和凄惨的情绪，如实反映了19世纪末20世纪初德国底层人民的可悲状况。
柯勒惠支的作品被鲁迅介绍到中国后，对中国现代版画的发展起了很大的影响。
鲁迅评价她的作品是：她以深广的慈母之爱，为一切被侮辱和损害者悲哀，抗议，愤怒，斗争；所取的题材大抵是困苦，饥饿，流离，疾病，死亡，然而也有呼声，挣扎，联合和奋起。
她的作品题材多以表现工人、农民的苦难、饥饿、疾病、死亡、挣扎和反抗、斗争。
她的版画和素描，人物形象生动真实、用笔刚劲、单纯统一，富有感染力。
自画像（版画）

鲁迅还曾引用过罗曼·罗兰的话，说
珂勒惠支的作品是现代德国的最伟大的诗歌,它照出穷人与贫民的困苦和悲痛。





我们从她的这些作品中，感受到的是：气势强劲而富慈悲心怀

我也是搞油画的　　　　　那天听到书生的一些话　　　我很受益啊　　　我想看看书生的画　　　　我到那里去看啊　？？？？？　　
书生　　　和我说所啊

谢谢，你客气了~·
爱学习的人永远都是受人尊敬的。
我想起以前徐之炎老师、王章煜老师教我画画时的情景，那时我才10来岁，可2位画家对艺术严谨、热情的态度，还令我记忆犹新~
艺无止境，愿共同提高！

列宾：是十九世纪后期伟大的俄罗斯现实主义绘画大师。列宾在充分观察和深刻理解生活的基础上，以其丰富、鲜明的艺术语言创作了大量的历史画、肖像画，他的画作如此之多、展示当时俄罗斯社会生活如此广阔和全面，是任何一个画家都无法与之比拟的。
列宾自画像（4幅）：

列宾的《伏尔加河上的纤夫》是现实主义绘画杰出的代表作之一，也是画家的成名作。
画面上展示的是：烈日酷暑下，漫长荒芜的沙滩上，一群衣衫褴褛的纤夫拖着货船，步履沉重地前进着。列宾在油画中塑造了11个纤夫，他们的年龄、身材、性格、体力、表情各不相同，我们从他们身上看到的不仅是沙俄专制下普通民众奴役般的生活，更体会到了他们的智慧、善良和力量。这也正是画家的创新之处，巡回画派艺术家以往的作品都是把人民当作同情、可怜的对象，而列宾在反映现实的同时，通过人物的神态和姿态来充分体现人民身上所蕴藏的巨大能量，给人以激励、震撼。
列宾是被公认的批判现实主义的泰斗，是巡回展览画派的旗帜。

列宾绘制了许多以反映“革命者不屈斗争”为题材的优秀作品。
描绘流放者突然回家场景时的《意外归来》可以说是家喻户晓。
这幅油画就象是一部小说向人们讲述一个革命者被流放后经受了怎样的痛苦，家人是多么的悲伤，以及流放者不期至后他和家人是多么的意外、兴奋。这是画家创作鼎盛时期的一幅作品。画家的绘画天赋在该作品中得到了集中的体现。画面上每个人物都栩栩如生：一袭黑衣的老妇人刚从坐着的椅子中站起来，转向“归来者”，似乎要扑过去拥抱，又抬不动脚步；桌边坐着的两个孩子，稍大的男孩儿欣喜地抬起头注视着，嘴巴吃惊地半张着，好像要喊出声来；较小的孩子有些胆怯地把目光从读着的书本移向“陌生人”；……
再看归来的“流放者”，个子高高的，瘦瘦的，身穿褪色的肥大的大衣，脚上是沉重的沾满泥土的靴子，他是经历了长途跋涉才得于与亲人相见，他的姿态有些犹豫，甚至有些不自信，似乎在这久违的家中他觉得自己像个外人，但他的神态却透出坚毅、勇敢。从流放者身上我们感觉到了革命者不屈不挠的英雄主义精神。列宾抓住“流放者跨进门坎的一瞬间，他及每个家庭成员的表情、行为”向人们展示“惊喜、意外”及其它种种复杂的情感
请看这幅作品：

列宾曾说：通过历史画，为痛苦的悲剧寻找出路。
列宾也是一位出色的肖像画家，他把肖像画称作：最有现实意义的绘画体裁。
列宾在皇家美术学院任教14年，为俄国绘画学派培养了无数后起之秀。

【苏里科夫】俄国著名画家。巡迥展览画派的代表之一。他的创作生涯主要善于取材于俄罗斯历史事件。
他最突出的特点，善于处理庞大的群众场面和刻划人物性格，以及赋于每幅作品以自己所特有的构图和色彩变化为特色，但仅仅局限于悲剧性冲突的情节的描写。
《近卫军临刑的早晨》是苏里科夫的代表作品。取材于彼得大帝处死近卫军的历史事件。

苏里科夫这幅名作画面上虽人物众多，但较明显地分成对立的两大阵营。正面的画面描绘了近卫军及家属，来送别的家属姿态各异，场面十分悲伤。被押上刑场的近卫军，个个无所畏惧，都无忏悔之意。其中那个坐在大车上手拿蜡烛的红头发近卫军，怒目远视右侧彼得大帝一方，与骑在马上的彼得大帝的视线遥相对峙。
在画家的笔下充分地表现了人民群众的顽强意志和勇敢斗争的精神。画幅以著名的莫斯科教堂为背景，揭示了事件发生的地点，这一背景对画面起了稳定作用。这幅画以生动的情节、丰富的色彩，揭示了人物的鲜明性格特征，具有浓厚的俄罗斯情调，成为世界绘画艺术的瑰宝之一。
这幅画画了三年：

弗鲁贝尔：他在生前不被人理解，没有得到正确的评价。他最后的悲剧性下场，也是艺术史上一切革新者难于避免的遭遇。他用自己的作品，创造了一个充满当代全部痛苦的幻想世界。
有人称他为“俄罗斯现代绘画的创始人”，把他看成精神上的旗帜。
这个真正的艺术天才――弗鲁贝尔，推动了自己国家整个的艺术潮流，但又不让自己的个性屈服于这个潮流而始终如一地保持着自己的特征。
自画像（素描）：

我在前面发了太多的自画像，这里小结一下：
【伦勃朗】一生画了几百幅自画像，能说这与他炉火纯青的素描功夫有关。他年轻时的自画像反映了他春风得意，目光中流露出纯真；到了中年他收入颇丰，娶妻生子，订单不断，安乐富足，目光如炬；而至晚年，殒妻丧子，债多缠身，一贫如洗，三餐不饱，他的目光呆滞但嘴角上还流露出不屈而乐观的情绪。
【达·芬奇】的自画像是素描中的经典，百看不厌，韵味无穷，就如是一本素描教科书。
【柯勒惠支】的自画像淳朴厚重，她有一双医治人生为天职的眼睛，她的每幅自画像都充满着沉思的爱。
【库尔贝】的自画像浪漫洒脱。
【德加】的自画像和他的其它绘画一样，生动中求静，沉稳中洋溢着才气。
【塞尚】他潜心于艺术形式的探索，富于创造精神，他的自画像力求精炼，不重复他人，潦潦几笔回味无穷。
【符鲁贝尔】笔下的自画像，对形体总是那么敏感，有深度有力度，他钟爱直线的运用，表现出他特异的性格。
其实：抽出零散时间多画自画像，是深入研究素描的一种好方法，自己就是最好的模特儿。古往今来有哪位大师不画自画像?它既可笔不离手，曲不离口，又可弥补长期作业之不足。它又是一口探井，任你自由探索。也是对画家勤奋程度的最好检验。

谢洛夫是19世纪末20世纪初俄国现实主义画派中成就最高的一位大师，“巡回画派”的成员，但后期创作上已逐渐脱离巡回画派的传统，以画肖像著名。
他9岁跟列宾学画，16岁入彼得堡美术学院，感悟力极强，在名师契斯恰柯夫的指点下，进步飞快，练就了扎实的写实能力，学院毕业后开始独立的艺术创作活动。
谢洛夫的素描肖像同样十分出色，线条准确流畅，人物个性鲜明。他为高尔基、斯坦尼斯拉夫斯基、李姆斯基、萨柯夫等进步艺术家画过肖像，留下了那个时代的生动的写照
自画像（素描）：